Nel primo decennio dopo le conseguenze della Seconda Guerra Mondiale, l’industria cinematografica mondiale non ha perso un passo. Ma quali sono effettivamente i più grandi?
Per tutta la metà del XX secolo, l’arte cinematografica si è evoluta attraverso il perfezionamento dello stile commerciale degli studios. Allo stesso tempo, le sperimentazioni progressive, come le colonne sonore elettroniche e l’adozione diffusa del Technicolor e del panorama widescreen, hanno portato il mezzo cinematografico ad un livello superiore. Mentre tutto questo accadeva, le star del cinema si abituarono a essere l’unica ragione per cui il pubblico andava a vedere i film.
Anche l’arena del cinema si espanse nel corso degli anni ’50. Mentre i film hollywoodiani di produzione americana godevano di un dominio culturale e commerciale, i film provenienti da altre parti del mondo – Giappone, Svezia, Italia, Francia e altrove – iniziarono ad entrare nella conversazione.
Sebbene l’immagine prevalente degli anni ’50 possa essere quella dei sani valori americani, i più grandi film usciti da quegli anni erano tutt’altro. Tra la caccia alle streghe comuniste, l’inizio della Guerra Fredda e le atrocità commesse e sopportate durante la Seconda Guerra Mondiale, i migliori film degli anni ’50 sono intrisi di paranoia, ossessione psicologica e coraggio folle contro probabilità insormontabili. Ma c’erano anche canti e balli.
Per dimostrare quanto fossero effettivamente diversi gli anni ’50, ecco 32 dei migliori film del decennio.
32. I dieci comandamenti (1956)
(Immagine di credito: Paramount)
L’ultimo film di Cecil B. DeMille è probabilmente il suo capolavoro, un blockbuster hollywoodiano di proporzioni letteralmente bibliche. Basato su molteplici fonti, tra cui Il Principe d’Egitto di Doroth Clarke Wilson e La Colonna di Fuoco di J. H. Ingraham, oltre alla Bibbia, I Dieci Comandamenti segue Mosè (Chartlon Heston) dalla sua nascita e adozione in Egitto fino alla sua accettazione delle regole di Dio in cima al Monte Sinai. Più che un biopic epico e sontuoso, I Dieci Comandamenti racconta anche l’avvincente rivalità tra fratelli di Mosè e Ramses II (Yul Brynner). Qualunque sia il suo credo, non può negare la sua spettacolare maestosità. Ancora oggi, I Dieci Comandamenti è ciò che tutti i blockbuster mega-costosi di Hollywood dovrebbero cercare di emulare.
31. Cenerentola (1950)
(Credito d’immagine: Disney)
Dopo l’uscita di Biancaneve e i Sette Nani nel 1937, la Disney trascorse gli anni ’40 accumulando potere e influenza come studio di animazione con successi al botteghino come Pinocchio, Dumbo e Bambi. Nel 1950, la Disney diede il via al decennio con Cenerentola, una fantasia musicale mozzafiato su un’orfana oberata di lavoro che diventa la bella del ballo, co-diretta da Wilfred Jackson, Hamilton Luske e Clyde Geronimi. Probabilmente il precursore di tutto ciò che definisce la Disney e il suo stile specifico di creazione di miti, Cenerentola si distingue per la sua storia universale di magia, vero amore e di avere i piedi della misura giusta. Guardandolo ora, non potrà fare a meno di cantare: “Bibiddi-Bobbidi-Boo!”.
30. Il pianeta proibito (1956)
(Credito immagine: MGM)
“Non si può vedere il volto della gorgone e vivere!”. Prima che Guerre Stellari cambiasse per sempre il linguaggio della fantascienza cinematografica, c’era Il pianeta proibito. Diretto da Fred M. Wilcox e interpretato da Walter Pidgeon, Anne Francis e Leslie Nielsen, Il pianeta proibito è allo stesso tempo un glorioso pastiche di fantascienza classica e un vero innovatore, dalla sua rivoluzionaria colonna sonora completamente elettronica all’introduzione di concetti come il viaggio più veloce della luce. (Il suo personaggio principale, Robby il Robot, è anche una leggenda di Hollywood a sé stante). La sua storia racconta di un incrociatore militare inviato a indagare sulla sorte dei coloni scomparsi, una premessa che è stata ripresa da molti altri film del genere nei decenni successivi.
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29. Il Settimo Sigillo (1957)
(Crediti immagine: SF Studios)
Dalla sua uscita nel 1957, Il Settimo Sigillo di Ingmar Bergman rimane il più grande film del regista di tutti i tempi e quello responsabile di aver consolidato il posto della Svezia nell’arena del cinema mondiale. Un fantasy storico ambientato durante la Morte Nera, segue un nobile cavaliere (Max von Sydow) che gioca contro la sinistra Morte incappucciata (Bengt Ekerot) in una partita a scacchi. Intorno a loro c’è un ensemble di personaggi che agiscono in tavole moralistiche che sembrano sermoni di un predicatore. In un’epoca sottolineata da orrori come l’Olocausto e le bombe nucleari, il film di Bergman definisce in modo completo la sua epoca, ma si sente ancora senza tempo nella sua desolazione e malinconia.
28. Viale del tramonto (1950)
(Credito immagine: Paramount)
Hollywood è follemente innamorata delle storie che la riguardano, anche di quelle più cupe. Nel 1950, l’industria cinematografica si trovava saldamente in una nuova era in cui i ‘talkies’ erano la norma e le star del cinema iniziavano ad accumulare più potere e influenza culturale. Ecco: Viale del tramonto di Billy Wilder. Gloria Swanson interpreta Norma Desmond, un’ex attrice del cinema muto che cerca di tornare in auge con l’aiuto dello sceneggiatore in difficoltà Joe (William Holden). Cupo racconto di ammonimento sulla tossicità e la natura fugace della fama, Viale del tramonto è straziante come pezzo di auto-riflessione oscura di Hollywood. È un film adatto per un double-bill con film come Mulholland Drive, Birdman, Map to the Stars, Once Upon a Time in Hollywood e Babylon.
27. Les Diaboliques (1955)
(Credito immagine: CinÉdis)
In questo thriller-horror psicologico in lingua francese del regista Henri-Geoorges Clouzot, la moglie e l’amante di un crudele preside di scuola collaborano per ucciderlo, per poi ritrovarsi perseguitate dalle loro azioni quando il suo cadavere scompare. Les Diaboliques (distribuito come Diabolique negli Stati Uniti) non ha necessariamente inventato il genere horror, ma la sua influenza parla da sé; l’autore di Psycho Robert Bloch ha citato questo film come uno dei suoi preferiti di sempre in un’intervista del 1983. Les Diaboliques è ricco di tensione e paranoia e deve essere riconosciuto come un mistero di omicidio che viene portato a termine in modo impeccabile, senza nemmeno una goccia di sangue versata.
26. Vacanze Romane (1953)
(Credito immagine: Paramount)
Audrey Hepburn e Gregory Peck brillano insieme nella commedia romantica di William Wyler, leggera ma dolceamara. In Vacanze Romane, la Hepburn interpreta una principessa europea che vaga per Roma e si trova in compagnia di un affascinante giornalista americano (Peck). Insieme, i due si godono una passeggiata inaspettatamente romantica attraverso l’antica città, permettendosi di godere di un’estasi di breve durata prima di riprendere le loro vite individuali. Nel film, una Hepburn in lacrime dice: “Non so come dire addio”. Il fascino duraturo di Vacanze Romane, a distanza di tanti anni, dimostra che nemmeno il pubblico lo sa.
25. Shane (1953)
(Credito immagine: Paramount)
Prima che i supereroi dominassero il cinema, c’erano i cowboy pistoleri dei film western. Il genere raggiunse il suo apice negli anni ’50, che videro un film svettare su tutti: Shane, un’epopea panoramica splendidamente diretta da George Stevens. Basato sul libro di Jack Schaefer, Shane racconta di un abile pistolero (Alan Ladd) che desidera disperatamente lasciarsi alle spalle il suo passato di violenza. Dopo aver piantato le radici in una famiglia di contadini nel Wyoming, Shane è costretto a uscire dalla “pensione” per combattere furfanti predatori e baroni spietati. Alla fine, la cavalcata di Shane verso il tramonto, mentre un bambino lo invoca di “tornare”, prefigura inavvertitamente l’imminente scomparsa dei film western come rappresentazione ideale dell’eroismo.
24. A qualcuno piace caldo (1959)
(Credito immagine: United Artists)
Uno dei più grandi film di Marilyn Monroe fu anche uno dei suoi ultimi. Nella commedia criminale screwball di Billy Wilder A qualcuno piace caldo, Tony Curtis e Jack Lemmon interpretano dei musicisti jazz dell’epoca del proibizionismo che sfuggono ai mafiosi di Chicago travestendosi da donne e si uniscono a una band femminile itinerante diretta a Miami. I due finiscono per innamorarsi della vocalist e suonatrice di ukulele della band, Sugar (Monroe) e iniziano a competere per il suo affetto, pur mantenendo le loro false identità. Anche se “nessuno è perfetto”, A qualcuno piace caldo rimane una commedia perfetta.
23. Cantando sotto la pioggia (1952)
(Credito immagine: MGM)
Diretto e coreografato da Gene Kelly e Stanley Donen, Cantando sotto la pioggia è molto di più delle sue immagini eterne di ombrelli aperti, impermeabili gialli e Debbie Reynolds che balla verso la gloria. Ambientato nel 1927, la fine dell’era del cinema muto è alle porte quando la star del cinema Don Lockwood (Kelly), il suo migliore amico pianista Cosmo (Donald O’Connor) e l’aspirante attrice Kathy Selden (Reynolds) lavorano insieme ad un nuovo progetto che mira a capitalizzare la nuova ed eccitante tecnologia del suono sincronizzato alle immagini in movimento. Esilarante e colorato, Singin’ in the Rain assapora il lato più solare dell’evoluzione sempre in avanti di Hollywood, che così spesso schiaccia i sogni.
22. Gojira (1954)
(Credito immagine: Toho)
Più di dieci anni dopo che il Giappone fu vittima del bombardamento nucleare che pose fine alla Seconda Guerra Mondiale, un mostro empio emerse dal mare per ricordare all’umanità il suo imminente annientamento. Conosciuto nel mondo occidentale come Godzilla, l’incarnazione originale giapponese Gojira di Ishiro Honda è un imponente capolavoro di orrore mostruoso in cui le atrocità dell’uomo e della bestia sono indistinguibili. Mentre “Godzilla” è diventato un eroe dei fumetti su entrambe le sponde del Pacifico, i remake e i reboot nel corso del 21° secolo hanno cercato di ripristinare le sfumature originali del Grande G come un incubo alla Lovecraft. Alcuni ci sono riusciti. Ma quando falliscono, c’è ancora Gojira.
21. L’uomo tranquillo (1952)
(Credito immagine: Republic Pictures)
Sebbene John Wayne fosse conosciuto soprattutto come eroe dei western hollywoodiani, il regista John Ford offre al pubblico un sapore diverso dell’icona nella sua lussuosa commedia romantica The Quiet Man, basata su un racconto del Saturday Evening Post. Ambientato nella campagna irlandese degli anni ’20, John Wayne interpreta Trooper Thorn, un pugile americano di origine irlandese che cerca di acquistare la vecchia fattoria della sua famiglia quando si innamora della focosa Mary Kate (Maureen O’Hara). Girato in un vivido Technicolor, il film di Ford sembra davvero vivo nelle sue istantanee mozzafiato dell’Irlanda rurale, per non parlare dei bellissimi capelli rossi della O’Hara che risaltano sull’abbondante vegetazione. Sebbene la sua rappresentazione dei ruoli di genere sia decisamente superata, non si può fare a meno di crogiolarsi nello scenario che Ford cattura.
20. Ribelle senza causa (1955)
(Credito immagine: Warner Bros.)
Probabilmente il film definitivo di James Dean, l’immortale rubacuori brilla nel sorprendente dramma di Nicholas Ray che rivela la bruttezza che ribolle negli adolescenti dell’America del dopoguerra. Ambientato nella Los Angeles contemporanea, Dean interpreta Jim Stark, un adolescente problematico che si trova tra genitori litigiosi. Inizia una storia d’amore traballante con un’altra ragazza del suo liceo, Judy (Natalie Wood), anch’essa tormentata da problemi a casa e che frequenta un gruppo difficile. James Dean morì in un incidente d’auto nel settembre 1955, all’età di 24 anni; Gioventù bruciata uscì postumo solo poche settimane dopo la sua scomparsa. Ma l’impatto irrevocabile del film ha cementato lo status di Dean per i posteri, assicurando che ogni generazione possa vedere un pezzo di sé negli occhi simpatici di James Dean.
19. Notte e città (1950)
(Credito immagine: 20th Century Studios)
Temendo di essere inserito nella lista nera del maccartismo, il regista Jules Dassin fuggì a Londra e girò un film intriso di sospetto, disperazione e sfiducia. In Night and the City, Richard Widmark interpreta Harry Fabian, un truffatore americano autodistruttivo che si inserisce nell’azione del circuito di wrestling professionale di Londra. Sebbene sia spesso trascurato rispetto ad altri classici del noir, Night and the City è un thriller squallido che incarna la narrativa pulp britannica, con i suoi vicoli e le sale dei bar che pullulano di personaggi amorali la cui unica lealtà è verso se stessi. Sebbene esistano due versioni diverse del film con finali contrastanti – una per il pubblico britannico, l’altra per quello americano – Dassin insiste sul fatto che il taglio cinico americano si avvicina di più alla sua visione.
18. Tokyo Story (1953)
(Credito immagine: Shochiku)
Akira Kurosawa è emerso negli anni ’50 come uno degli autori più celebri del Giappone. Ma tra i suoi più grandi contemporanei c’era Yasujiro Ozu, il cui stile modernista e minimalista contrastava fortemente con le ampie opere di Kurosawa. Nel 1953, Ozu realizzò quello che è considerato uno dei suoi capolavori: Tokyo Story, su una coppia di pensionati che si reca a Tokyo per visitare i loro quattro figli adulti ancora in vita. Il film di Ozu, che mantiene un ritmo lento e una telecamera che non si muove quasi mai, esplora l’immediata influenza del mondo occidentale sul Giappone negli anni successivi alla Seconda Guerra Mondiale e l’alienazione universale dei genitori nei confronti della prole in crescita. Pur non essendo una commedia, il suo delicato senso dell’umorismo rivela la bellezza splendente che si trova nella vita quotidiana della classe media inferiore.
17. Orrore di Dracula (1958)
(Credito immagine: Universal)
Anni dopo che i mostri della Universal si erano ritirati nell’ombra, lo studio britannico Hammer inaugurò la propria era, a partire da Dracula (conosciuto negli Stati Uniti come Horror of Dracula) con Sir Christopher Lee nei panni dell’iconico vampiro. In contrasto con l’interpretazione iconica ma cartoonesca di Bela Lugosi nei panni del conte transilvano, Lee incarna un’iterazione più affascinante che porta alla luce l’erotismo insito nei vampiri e la loro inclinazione a mordere il collo e a far scorrere il sangue. (Tra l’altro, la versione di Lee introduce anche la doppia dentatura, che Lugosi non aveva nel film del 1931). Lee interpretò Dracula in molti altri film successivi, ma il suo debutto del 1958 regna ancora sovrano.
16. Da qui all’eternità (1953)
(Credito immagine: Columbia)
Nell’epopea romantica e cupa di Fred Zinnemann del 1953, i soldati americani di stanza alle Hawaii incontrano i loro destini nei giorni precedenti l’attacco a Pearl Harbour. Sebbene il cast stellare includa Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr e Donna Reed, è Montgomery Clift il protagonista del film nei panni del soldato Robert E. Lee “Prew” Prewitt, un soldato devoto e un suonatore di tromba di talento che rifiuta di assecondare i desideri del suo capitano di fargli vincere i campionati di boxe. Tutti i presenti, tutte icone dell’ultimo periodo dell’Età d’Oro di Hollywood, sono in forma smagliante nei panni di persone condannate in marcia verso il momento in cui le loro vite cambieranno per sempre. Montgomery Clift era notoriamente resistente a interpretare molti ruoli, ma Da qui all’eternità è senza dubbio tra i suoi migliori.
15. Trono di sangue (1957)
(Credito immagine: Toho)
L’avvincente rivisitazione di Akira Kurosawa del Macbeth di Shakespeare ha come protagonista l’indelebile Toshiro Mifune, nel ruolo di un samurai analogo a Macbeth che apprende da un malvagio spirito della foresta il suo imminente futuro come signore del castello. Una fusione culturale di motivi shakespeariani con la messinscena del teatro Noh giapponese, Throne of Blood è ammaliante come un incubo pieno di nebbia, dove il potere arriva facilmente, ma la forza di mantenerlo ha un grande costo. In parte thriller politico, in parte horror-fantasy, Throne of Blood è un film che incute timore e che si guadagna l’immortalità in una grandinata di frecce.
14. 12 uomini arrabbiati (1954)
(Credito d’immagine: United Artists)
Praticamente ogni generazione ha la sua versione di 12 uomini arrabbiati. Ma nel 1957, il regista Sidney Lumet portò sullo schermo una produzione indimenticabile con un cast che comprendeva Martin Balsam, John Fielder, Lee J. Cobb, Jack Klugman, Henry Fonda e altri ancora. Basato sulla pièce teatrale del 1954 di Reginald Rose, 12 Angry Men si concentra sui disaccordi tra una giuria che delibera febbrilmente sulla condanna o sull’assoluzione di un adolescente accusato di omicidio. Praticamente tutti i drammi giudiziari successivi hanno preso spunto da 12 uomini arrabbiati, che racchiude tutta la sua drammaticità in un’unica sala della giuria, ma non dà mai l’impressione di essere confinante.
13. Ben-Hur (1959)
(Crediti immagine: MGM)
I Dieci Comandamenti non fu l’unico blockbuster religioso degli anni ’50. Nel 1959, Charlton Heston recitò nel ruolo principale dell’epopea pluripremiata di William Wyler, di dimensioni incommensurabili. Letteralmente centinaia di artigiani lavorarono dietro le quinte, tra cui 100 costumisti, 200 artisti, 10.000 comparse più circa 200 cammelli e 2.500 cavalli, tutti necessari per spingere al massimo il nuovo formato widescreen. Ma dove Ben-Hur inspiegabilmente riesce è il modo in cui racconta ancora la storia focalizzata di Judah Ben-Hur, l’eroe del romanzo di Lew Wallace del 1880, che racconta di un principe ebreo che viene ridotto in schiavitù dai Romani e che in seguito incontra l’unico e solo Gesù Cristo. Persino i costosissimi sequel di franchising di oggi non si avvicinano alla maestosità di Ben-Hur.
12. Un tram chiamato desiderio (1951)
(Immagine di credito: Warner Bros.)
Basato sull’opera teatrale di Tennesee Williams, vincitrice del Pulitzer, che drammatizza le relazioni tossiche, l’adattamento di Elia Kazan è interpretato da Vivien Leigh, Kim Hunter e, naturalmente, Marlon Brando. La bella del sud Blanche (Vivian Leigh) viaggia dal Mississippi per vivere con sua sorella in un appartamento fatiscente di New Orleans. Anche se aiuta il fatto che il materiale su cui si basa è di per sé un classico venerato in cui i migliori attori possono affondare i loro denti, la versione cinematografica di Kazan è un vero e proprio concentrato di potenza per il modo in cui cattura alcuni dei più grandi attori che Hollywood abbia mai visto al loro meglio.
11. Orizzonti di gloria (1957)
(Credito d’immagine: United Artists)
Nella conversazione su Stanley Kubrick, il suo film di guerra del 1957 Orizzonti di gloria viene spesso trascurato; altri suoi capolavori come 2001: Odissea nello spazio, Arancia meccanica, Shining, Full Metal Jacket e Eyes Wide Shut dominano l’attenzione della gente. Ma Kubrick esibì le sue insolite ma incisive capacità di maestro visivo nel suo quarto film. Ambientato nella Prima Guerra Mondiale in Francia, Orizzonti di gloria ha come protagonista Kirk Douglas nel ruolo di un ufficiale in comando che si rifiuta di andare avanti in quello che è essenzialmente un attacco suicida e successivamente sfida le accuse di codardia contro di loro in una corte marziale. Kubrick aveva solo 29 anni quando diresse Orizzonti di gloria, e l’entusiasmo per la sua impeccabile regia lo seguì per anni, anche dopo la sua morte nel 1999.
10. Hiroshima mon amour (1959)
(Credito immagine: Rialto Pictures)
Se un sogno erotico potesse essere un film, sarebbe come Hiroshima mon amour. In questa coproduzione tra Francia e Giappone, il regista Alain Resnais cala bruscamente il pubblico nell’intimità di un uomo giapponese (Eiji Okada) e di una donna francese (Emmanuelle Riva), con i corpi coperti di sudore e cenere. Il film si svolge in modo non lineare, raccontando la breve storia d’amore di questi due sconosciuti nel Giappone del dopoguerra, appena perseguitato dalla devastazione nucleare. Questa storia d’amore impossibile e la meditazione sui traumi internazionali hanno contribuito a catapultare la Nouvelle Vague francese presso il pubblico mondiale.
9. La guerra dei mondi (1953)
(Credito immagine: Paramount)
Basata sul romanzo di H.G. Wells del 1898, la versione cinematografica di Byron Haskin del 1953 vede la California meridionale contemporanea come frontiera per un’invasione di forze marziane. Con la leggendaria trasmissione radiofonica di Orson Welles ancora nella mente del pubblico al momento dell’uscita, La guerra dei mondi sfrutta il cinema come mezzo visivo con il notevole contrasto tra l’artiglieria primitiva dell’esercito americano e l’elegante tecnologia ultraterrena di Marte. Innovativo come festa degli effetti speciali, ma immortale come racconto straziante che avverte che gli esseri umani non sono mai troppo sicuri di essere la specie più intelligente.
8. Mezzogiorno di fuoco (1952)
(Crediti immagine: United Artists)
Diretto da Fred Zinneman, il classico western Mezzogiorno di fuoco si svolge in tempo reale e segue uno sceriffo di città (Gary Cooper) che deve scegliere se affrontare da solo una banda di furfanti o fuggire con sua moglie (Grace Kelly). Con la sua potente distillazione dell’eroismo western che si riduce a un singolo uomo contro un’orda malvagia, Mezzogiorno di fuoco ha contribuito a reimmaginare e rivitalizzare i western per gli anni a venire. Non dovrebbe sorprendere che diversi Presidenti degli Stati Uniti abbiano espresso ammirazione per Mezzogiorno di fuoco, tra cui Dwight Eisenhower, Ronald Reagan e Bill Clinton.
7. Fronte del porto (1954)
(Crediti immagine: Columbia)
Ispirato da una serie di articoli di Malcolm Johnson, vincitore di un Pulitzer, per il New York Sun, On the Waterfront riunisce la regista Eliza Kazan con Marlon Brando in un dramma cruento sul crimine e la corruzione sui lungofiume di Hoboken, New Jersey. Brando interpreta Terry Malloy, un ex pugile che ha intenzionalmente organizzato un incontro su richiesta di un boss della mafia. Ora lavora come scaricatore di porto, Terry è inorridito quando è costretto al silenzio dopo aver assistito all’omicidio di un collega scaricatore. On the Waterfront è uno dei tanti film dei primi anni ’50 che usarono la sua narrazione per condannare il maccartismo, ma la sua storia risuona al di là di quei tempi come un ritratto dell’impotenza di fronte alle avversità schiaccianti.
6. Sette Samurai (1954)
(Immagine di credito: Toho)
Il classico epico di Akira Kurosawa sui samurai che si uniscono per difendere un villaggio vulnerabile, gratuitamente, ispira ed emoziona anche dopo tutti questi anni. Con un cast d’insieme guidato da Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi e Toshiro Mifune, il racconto di Kurosawa ha generato un proprio sottogenere di uomini chiassosi che si uniscono per una nobile causa piuttosto che per scopi egoistici. Non solo ci sono stati remake diretti, come I Magnifici Sette del 1960 (che reimmaginava il film come un cowboy western), ma anche omaggi spirituali in film come Quella sporca dozzina, Salvate il soldato Ryan, The Expendables, The Avengers, Justice League e tutto il franchise di Star Wars.
5. North by Northwest (1959)
(credito immagine: MGM)
Alfred Hitchcock chiuse gli anni ’50 con il suo thriller di spionaggio North by Northwest, un film gigantesco e duraturo. Interpretato da Cary Grant ed Eva Marie Saint, il film segue un uomo innocente (Cary Grant) che fugge per la sua vita attraverso gli Stati Uniti da misteriosi agenti che credono che stia contrabbandando segreti governativi. Nel 1959, Hitchcock era già un artista celebre, ma con North by Northwest cementò definitivamente la sua genialità in un film ricco di suspense e divertente.
4. La finestra sul cortile (1954)
(Credito immagine: Paramount)
In questo avvincente mistero urbano, un fotografo che sta guarendo da una gamba rotta (James Stewart) sospetta che il suo vicino di casa possa aver ucciso qualcuno. Con l’aiuto della sua irrequieta fidanzata mondana (Grace Kelly) e della sua infermiera (Thelma Ritter), il personaggio di Stewart, Jeff, cerca di fare giustizia senza perdere la testa. Anche nei tempi moderni, quando i nostri social feed fanno pieno uso di riprese POV e le nostre fotocamere smartphone ci hanno reso tutti fotografi dilettanti, il film di Hitchcock mostra il potere drammatico di una prospettiva limitata.
3. Umberto D. (1952)
(Credito immagine: Rialto Pictures)
In questo classico neorealista del regista italiano Vittorio De Sica, un povero anziano di Roma fa di tutto per sopravvivere con il suo cane. Il film era impopolare per il pubblico italiano al momento della sua uscita, dato che l’Italia nel suo complesso era nel pieno della ripresa postbellica e un uomo fragile che chiedeva l’elemosina per strada non era lusinghiero per la sua immagine. Ma il pubblico di tutto il mondo ha imparato ad ammirare Umberto D. come una storia straziante in cui la gentilezza è stata erosa dalla modernità. Un classico del cinema mondiale, Umberto D. ha poco da offrire ma molto da dare.
2. Baciami Mortalmente (1955)
(Immagine di credito: United Artists)
Se qualcuno pensa che gli anni Cinquanta fossero abbottonati, ben educati e pieni di valori sani, guardi l’oscurità di Kiss Me Deadly. L’adattamento cinematografico di Robert Aldrich del romanzo di Mickey Sillane racconta di un detective, Mike Hammer (Ralph Meeker) che raccoglie una donna che fa l’autostop (Maxine Cooper), dando il via a una notte terribile e indimenticabile. Accolto come un precursore della Nouvelle Vague francese e inteso come una metafora della Guerra Fredda, Kiss Me Deadly ha influenzato i più venerati giganti del cinema, tra cui Francois Truffaut, Jean-Luc Godard e Quentin Tarantino. È semplicemente un’opera imponente.
1. Vertigo
(Immagine di credito: Paramount)
Il thriller psicologico Vertigo di Alfred Hitchock, uscito nel 1958, viene regolarmente inserito in numerose liste di best-of; nel 2012, ha notoriamente scalzato Citizen Kane dall’ambito posto numero uno nella classifica dei migliori film di tutti i tempi di Sight & Sound. È acclamato come tale per una buona ragione. James Stewart interpreta John “Scottie” Ferguson, un detective in pensione che ha abbandonato il suo distintivo dopo aver contratto l’acrofobia – una paura delle altezze. Ma quando Scottie viene assunto da un conoscente per seguire la moglie, Madeleine (Kim Novak), Scottie deve affrontare le sue paure. Con la sua preoccupazione per l’ossessione psicologica, Vertigo divide in modo sottile la differenza tra l’intrattenimento tumultuoso e lo stile cerebrale d’essai, a volte confondendo i due aspetti in un modo che solo Alfred Hitchcock sapeva fare. Anche se non pensa che sia il “più grande film di tutti i tempi”, è senza dubbio uno dei migliori del suo decennio.