I 32 migliori film degli anni ’60

Qualunque cosa pensiate che gli anni ’60 siano stati o siano sembrati, ripensateci. Il tumultuoso decennio è sfaccettato in tutti i modi, compresi i film. Ma quali sono i migliori film degli anni ’60?

In un decennio caratterizzato dal cambiamento delle norme sociali, per non parlare del movimento per i diritti civili e del pantano politico che fu il Vietnam, i film degli anni ’60 riflettevano allo stesso modo una comunità globale in movimento. Le importazioni straniere d’avanguardia dal Giappone, dall’Italia, dalla Francia e da altri Paesi distoglievano l’attenzione dagli stili americani consolidati. Nel frattempo, i registi vedevano il loro mestiere sfidato da una nuova alternativa di intrattenimento più economica: la televisione. Tuttavia, piuttosto che offrire un livello di spettacolo superiore a quello che i budget minuscoli della TV potevano raggiungere, i film del decennio cercarono di sfidare il pubblico con storie più sovversive che ridisegnavano i confini dell’accettabilità.

Come gli anni ’50, gli anni ’60 prevedevano le ambiguità morali del prossimo futuro. Mentre il campanilistico Codice Hays perdeva la sua morsa, l’improvvisa esplosione della New Hollywood – già preclusa dalla Nouvelle Vague francese – diede ai registi una maggiore autorialità creativa, permettendo loro di riflettere nei loro film una controcultura alla moda che permeava le città, le comuni e i campus universitari ovunque.

Con così tanti film classici da citare, ecco solo 32 dei migliori film degli anni ’60.

32. Batman (1966)

Batman e Robin usano il telefono della Batmobile sulla spiaggia

(Credito immagine: Warner Bros.)

Santo cinema, Batman! Originariamente ideato dal produttore William Dozier semplicemente per promuovere la serie TV, il film Batman del 1966 (diretto da Leslie H. Martinson) rappresenta oggi l’arte camp in tutta la sua stravagante gloria. Interpretato da Adam West nel ruolo che lo rese famoso, il Crociato incappucciato combatte contro i malfattori più nefasti di Gotham City, che si sono alleati come United Underworld. Anche se non è assolutamente il miglior film di supereroi mai realizzato, la sua sintesi della famosa serie televisiva – tutta ingrandita per il grande schermo – rende Batman uno dei film commerciali più colorati, più oltraggiosi e, in effetti, più divertenti di un decennio impegnativo. Ci sono davvero dei giorni in cui non si può fare a meno di una bomba.

31. Barbarella (1968)

Barbarella incontra un uomo nel film Barbarella

(Immagine di credito: Paramount Pictures)

Film di culto di altissimo livello, Jane Fonda è la protagonista di un gioiello di fantascienza di serie B il cui fascino è dato dal fatto che, beh, Jane Fonda è una vera bomba nello spazio. (E Barbarella è così genuinamente guardabile grazie allo zelo di Fonda nel giocare a tutto). Basato sulla serie di fumetti francese, il film segue Barbarella (Fonda), una viaggiatrice spaziale inviata a trovare uno scienziato con un’arma in grado di spazzare via l’umanità. Dopo che star come Brigitte Bardot e Sophia Loren avevano rifiutato la parte, Fonda esitò per la sua natura sessualizzata; all’epoca, Fonda era al centro di due scandali di nudità che riguardavano i film Circle of Love e The Game Is Over. Ma Fonda è stata convinta quando le è stato detto dal regista Roger Vadim che la fantascienza sarà presto un genere prestigioso. Con Guerre Stellari ancora a nove anni di distanza, Vadim aveva praticamente ragione, anche se oggi Barbarella non è un franchise così grande.

30. Gli ombrelli di Cherbourg (1964)

Due innamorati francesi si trovano sul molo in Gli ombrelli di Cherbourg

(Credito immagine: 20th Century Studios)

Nell’indimenticabile musical romantico di Jacques Demy, una giovane coppia francese è desiderosa di vivere per sempre, finché non viene divisa dalla guerra d’Algeria. Quando inevitabilmente si ricongiungono, le temperature gelide rivelano una passione una volta riscaldata e diventata fredda. Catherine Deneuve e Nino Castelnuovo sono i co-protagonisti di un’incantevole coppia sullo schermo, che rappresenta l’emozione universale di essere giovani e innamorati, la tragedia di trovare l’amore troppo presto e l’amara accettazione del fatto che la vita non va sempre come si è programmata. Dei film che compongono la trilogia romantica di Demy – tra cui Lola (1961) e Le ragazze di Rochefort (1967) – Gli ombrelli di Cherbourg è il film più fedele all’effimero dolceamaro dell’amore giovanile.

29. Onibaba (1964)

Un samurai con una maschera spaventosa si trova in una capanna in Onibaba

(Credito immagine: Toho)

È un film così spaventoso che ha spaventato persino William Friedkin, il regista de L’esorcista. Rivisitazione di una parabola buddista che coinvolge una maschera maledetta che punisce coloro che la indossano, Onibaba segue due donne che attirano samurai erranti per ucciderli e vendere i loro armamenti per denaro. Quando un uomo si mette in mezzo, sentimenti antichi come l’invidia e la rabbia turbinano come i venti di una tempesta oscura ed empia. Un’immagine macabra con una suprema energia eldritch, questa elaborata metafora dei traumi residui del Giappone a causa delle bombe atomiche assume un significato ulteriore quando si sa che lo scrittore/regista Kaneto Shindō era di Hiroshima. Onibaba è stato uno dei molti film di Shindō alle prese con gli orrori dell’annientamento nucleare e con la sua personale realtà di vedere la sua casa rasa al suolo e i suoi sopravvissuti lasciati con ferite inamovibili.

28. Easy Rider (1969)

Due motociclisti percorrono l'autostrada aperta in Easy Rider

(Credito immagine: Columbia Pictures)

La New Wave americana iniziò a pieno ritmo con Easy Rider, un western moderno se mai ce ne fu uno. Diretto da Dennis Hopper e scritto da Hopper con Peter Fonda e Terry Southern, Easy Rider segue due motociclisti (interpretati da Hopper e Fonda) che partono dal Sud americano e si avventurano verso ovest con i soldi guadagnati da un lucroso affare di cocaina. Epopea storica della controcultura, Easy Rider ha plasmato da solo il nostro vocabolario collettivo per la strada aperta come ultima frontiera dell’avventura e unico luogo rimasto sulla Terra per trovare un senso di identità e libertà.

27. L’appartamento (1960)

Jack Lemmon interpreta un impiegato che passa il tempo alla scrivania ne L'appartamento

(Crediti immagine: United Artists)

Se solo i muri potessero parlare. Nella commedia romantica L’appartamento (1960) di Billy Wilder, Jack Lemmon interpreta un ambizioso impiegato delle assicurazioni che, nella speranza di fare carriera, permette ai suoi colleghi più anziani di utilizzare il suo appartamento nell’Upper West Side per le loro relazioni extraconiugali. Le cose si complicano quando il Bud di Lemmon si innamora di Fran (Shirley MacLaine), che ha una relazione con il capo dello stesso Bud. Liberamente ispirato al film britannico del 1945 Breve incontro e a uno scandalo hollywoodiano reale che coinvolgeva la relazione di un produttore avvenuta nell’appartamento di un suo dipendente, L’appartamento è una commedia deliziosa che parla di non essere mai troppo vicini all’azione.

26. Uccidere il buio (1962)

Atticus Finch difende il suo cliente in tribunale in "To Kill a Mockingbird".

(Credito immagine: Universal Pictures)

Il romanzo fondamentale di Harper Lee del 1960, che racconta di un avvocato di principio che difende un uomo di colore innocente accusato di violenza sessuale, è stato magistralmente adattato per lo schermo due anni dopo dal regista Robert Mulligan. Con Gregory Peck nel ruolo di Atticus Finch e Mary Badham nel ruolo della giovane figlia Scout – la cui prospettiva costituisce il punto di vista principale della storia – la versione cinematografica di Mulligan si è guadagnata l’acclamazione di un classico americano a tutti gli effetti, essendo uno studio tenero e commovente della crescita in un ambiente di pregiudizi. Attraverso l’indimenticabile monologo di difesa di Finch (con la telecamera di Mulligan che assume saggiamente la prospettiva della giuria), To Kill a Mockingbird ha dato a innumerevoli generazioni un’istruzione su come lottare per ciò che è giusto, anche quando la giustizia scarseggia.

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25. La notte dei morti viventi (1968)

Un sopravvissuto respinge gli zombie in La notte dei morti viventi

(credito immagine: Criterion)

Prima di The Walking Dead, c’è stato La notte dei morti viventi di George Romero, che non solo ha introdotto gli zombie nel lessico della cultura pop americana, ma probabilmente ha fatto la parte migliore del genere. Ambientato nella Pennsylvania rurale, sette sopravvissuti si rintanano in una fattoria, mentre orde di cadaveri divoratori di carne hanno improvvisamente preso vita ovunque. Non solo La notte dei morti viventi ha scritto il libro di testo per tutte le storie horror sugli zombie, ma il casting dell’attore di colore Duane Jones (nel ruolo del protagonista Ben) è stato rivoluzionario e al tempo stesso politicamente rilevante, trasformando per sempre gli zombie in una metafora dinamica e fluida di ciò che l’uomo considera mostruoso nel suo straziante finale.

24. Il pianeta delle scimmie (1968)

L'iconico finale de Il pianeta delle scimmie, con la Statua della Libertà sulla spiaggia

(Credito immagine: 20th Century Studios)

Basata sul romanzo di Pierre Boulle del 1963, la versione cinematografica di Franklin J. Schaffner Il pianeta delle scimmie ha come protagonista Charlton Heston nei panni di un astronauta che atterra su uno strano pianeta dove l’umanità è primitiva e le scimmie parlanti hanno assunto il dominio come specie più intelligente. Mentre Il pianeta delle scimmie ha dato vita a un franchising, l’originale di Schaffner è un’opera imponente di fantascienza, tecnicamente spettacolare e spiritualmente inquietante. A distanza di tanti anni, Il pianeta delle scimmie colpisce ancora come un potente monito contro l’arrogante considerazione dell’umanità per il suo posto nella catena alimentare.

23. Il candidato manciuriano (1962)

Angela Lansbury è alta in un'immagine iconica di The Manchurian Candidate

(Immagine di credito: United Artists)

Basato sul romanzo di Richard Condon, questo cupo thriller psicologico di John Frankenheimer è uno dei film più importanti della Guerra Fredda, che sfrutta la paranoia prevalente dell’epoca sui nemici in agguato dall’interno. Uscito appena un anno prima dell’assassinio di JFK, il film segue un veterano della Guerra di Corea, Raymond Shaw (Laurence Harvey), che viene inconsapevolmente sottoposto a un lavaggio del cervello da parte dei comunisti e viene inviato negli Stati Uniti per uccidere un candidato alla presidenza. Interpretato anche da Frank Sinatra, Janet Leigh e Angela Lansbury, l’abbondanza di politica e cospirazione di questo thriller di spionaggio formativo ha fissato in modo permanente la barra per tutti i thriller di spionaggio successivi. Le sue innovazioni nel genere sono ancora visibili nei film moderni simili, da The Bourne Identity a Captain America: The Winter Soldier. Un remake moderno altrettanto formidabile è uscito nel 2004, con Denzel Washington, Liev Schrieber e Meryl Streep come protagonisti.

22. A piedi nudi nel parco (1967)

Robert Redford e Jane Fonda guardano un buco nel soffitto in A piedi nudi nel parco

(credito immagine: Paramount Pictures)

Jane Fonda e Robert Redford non sono mai stati così divertenti e sexy come nei panni di una coppia di sposini che scendono dalla felicità della luna di miele per affrontare il senso dell’umorismo della realtà. Dopo essersi trasferiti in un appartamento a cinque piani di Manhattan, Corie (una delirante Fonda), dallo spirito libero, e Paul (Redford, che vanta un’ottima comicità), un po’ più rigido, imparano cosa significhi effettivamente avere e tenere, quando i loro primi mesi insieme non sono come se li immaginavano. Sebbene la trama sia leggera come una piuma, il film – basato sull’opera teatrale di Neil Simon e diretto da Gene Saks – resiste grazie al carisma radioso del suo bel cast.

21. Mary Poppins (1964)

Mary Poppins balla in un campo di cartoni animati in Mary Poppins

(Credito immagine: Disney)

Uno dei maggiori successi della Disney è emerso negli anni ’60, con Julie Andrews e Dick Van Dyke che ballavano e cantavano le virtù di una vita familiare più impegnata. Nella Londra edoardiana, una donna magica vola dal cielo per rispondere alla richiesta dei bambini Banks di avere “la tata perfetta”. Si tratta di Mary Poppins (Andrews), un’entità misteriosa che è allo stesso tempo gentile e ferma, ed è esattamente il cucchiaio di zucchero di cui la famiglia Banks ha bisogno per essere di nuovo unita. Tecnicamente sbalorditivo e sano nel cuore, Mary Poppins è uno dei film live action Disney più iconici e di successo di sempre, e per una buona ragione. Che altro dire se non: “Supercalifragilisticexpialidocious!”.

20. Tokyo Drifter (1966)

Un ex gangster cammina nella neve in Tokyo Drifter

(Credito immagine: Nikkatsu)

L’omaggio di Seijun Suzuki ai pistoleri western si concretizza nel suo film gangster incredibilmente elegante Tokyo Drifter, che racconta di un sicario riformato di nome Tetsu (Tesuya Watari) che si trova nel mezzo di bande rivali che cercano di consolidare il potere. Suzuki, noto per il suo stile visivo eccentrico, all’inizio è stato costretto dallo studio a smorzare la sua sensibilità sullo schermo; lo studio gli ha concesso un budget ridotto per assicurarsi che Suzuki si attenesse alle loro linee. Per ripicca, Suzuki si ispirò ai film musicali degli anni ’50, alla commedia assurda e alla scena emergente della pop art per creare il suo film più surreale fino a quel momento. Questa filosofia di ribellione come dichiarazione trapela dai pori di Tokyo Drifter, il suo massimalismo trattenuto contenuto nei suoi fotogrammi crea un’esperienza in cui non si può dimenticare come ci si sente, anche se non si riesce a capire cosa stia succedendo.

19. Butch Cassidy e Sundance Kid (1969)

Robert Redford e Paul Newman scalano una montagna in Butch Cassidy e Sundance Kid

(Credito immagine: 20th Century Studios)

Il classico western di Georgy Roy Hill, scritto da William Goldman, vede protagonisti Paul Newman e Robert Redford nei panni dei fuorilegge più cool e intoccabili del cinema, nella loro disperata fuga in Bolivia. Riusciranno a sopravvivere? La risposta è meno interessante del viaggio ricco e avvincente che Butch Cassidy (Newman) e Harry Longabaugh, alias “Sundance Kid” (Redford) intraprendono nel corso del film, essendo partner nel crimine il cui stretto legame li rende i santi patroni della fratellanza e del bromance. Anche se impopolare al momento della sua uscita, Butch Cassidy and the Sundance Kid è stato venerato come un film che testimonia che la più grande ricompensa non sono le ricchezze che si ottengono, ma le esperienze che si possono raccogliere con le persone più importanti.

18. Una notte di un giorno difficile (1964)

I Beatles si esibiscono sul palco in A Hard Day's Night

(Credito d’immagine: United Artists)

Tutti i video musicali, i documentari sulle rock star, i filmati dei concerti e le bobine di TikTok hanno un debito con A Hard Day’s Night. Un caleidoscopio di commedia e musica, il film di Richard Lester, pieno di tagli rapidi e isteria a mano, cattura i Beatles all’apice della Beatlemania. Ma piuttosto che essere un documentario indulgente e auto-importante sul dramma e la stanchezza indotti dalla fama, A Hard Day’s Night vede i rocker di Liverpool scatenare un putiferio ovunque vadano – senza che si veda una vera storia. Dal trollare gli intervistatori con routine simili a quelle dei Fratelli Marx al fuggire dai fan urlanti che si muovono come sciami di calabroni, A Hard Day’s Night è meno Taylor Swift: The Eras Tour e più New Wave francese nella sua malizia e ingenuità a ruota libera.

17. Gli uccelli (1963)

Una donna si nasconde in una cabina telefonica in The Birds

(credito immagine: Universal Pictures)

Dopo Alfred Hitchcock, non abbiamo più visto stormi di uccelli nello stesso modo. In questo iconico film horror del 1963, basato su un racconto del 1952 di Daphne du Maurier e liberamente ispirato a uno strano attacco di massa di uccelli nella città di Capitola, in California, due anni prima, uccelli aggressivi terrorizzano i residenti di una cittadina sonnolenta. Sebbene i corvi e i piccioni assassini possano sembrare banali sulla carta, un regista sovrano come Hitchcock offre un classico dell’orrore freddo come la pietra, in cui la natura mantiene ancora il suo dominio, nonostante i progressi scientifici dell’umanità. Grazie all’uso magistrale del silenzio e alla maestria dei primi effetti speciali, Gli Uccelli non smetterà mai di prendere il volo – e di farci correre al riparo.

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16. Il laureato (1967)

Elaine e Benjamin iniziano a preoccuparsi del loro futuro mentre sono seduti su un autobus ne Il laureato

(Immagine di credito: Embassy Pictures)

Il dramma romantico di Mike Nichols, un primo successo del cinema indipendente, ha catturato sapientemente lo spirito inquieto della gioventù degli anni ’60 nella sua storia di un laureato (Dustin Hoffman) che inizia una relazione con una donna più anziana (Anne Bancroft) mentre si innamora di sua figlia Elaine (Katharine Ross). Il finale indimenticabile, in cui i due piccioncini si rendono lentamente conto della gravità delle loro azioni, è stato un colpo di genio da parte di Nichols. Semplicemente non dicendo ai suoi attori cosa fare dopo essere saliti sull’autobus, la loro stanchezza fisica rispecchia l’ambivalenza spirituale. Quando sia Hoffman che Ross smettono di sorridere durante una ripresa sconcertantemente lunga, le loro espressioni stanche rivelano l’incertezza dei loro personaggi sul fatto che l’amore sia abbastanza forte da durare.

15. Cool Hand Luke (1967)

Paul Newman sorride in Cool Hand Luke

(Credito immagine: Warner Bros.)

Uno dei tanti film americani iconici che rappresentano la sfida alla controcultura durante la guerra del Vietnam, Cool Hand Luke del regista Stuart Rosenberg ha come protagonista Paul Newman nei panni di un prigioniero della Florida che si rifiuta di farsi bloccare dalle catene. Il film è stato scritto da Donn Pearce, il cui passato criminale e i due anni trascorsi nelle gang del Dipartimento di Correzione della Florida hanno ispirato il suo romanzo e il film. Ispirante ed emozionante, Cool Hand Luke è praticamente un video istruttivo su come mantenere la calma e superare in astuzia tutti gli altri in un luogo ostile che vuole vederla morire.

14. Il buono, il brutto e il cattivo (1966)

Clint Eastwood con la sua espressione caratteristica ne Il buono, il brutto e il cattivo

(Credito immagine: MGM)

Sergio Leone ha trascorso gli anni ’60 definendo i western di produzione italiana con la sua Trilogia del Dollaro, che segue le imprese nomadi dell’Uomo senza Nome (Clint Eastwood). Ultimo film dopo Un pugno di dollari (1964) e Per qualche dollaro in più (1965), il film di Leone segue tre pistoleri – interpretati da Eastwood, Eli Wallach e Lee Van Cleef – che corrono per trovare l’oro confederato sepolto durante la Guerra Civile Americana. Anche se le opinioni personali variano su quale sia il migliore della trilogia, Il buono, il brutto e il cattivo è semplicemente troppo epico per essere ignorato e rimane probabilmente il più emblematico di tutti gli spaghetti western. Tra la sua memorabile fotografia e la violenza operistica, i registi d’azione hanno trascorso decenni ispirandosi al capolavoro duraturo di Leone.

13. Rosemary’s Baby (1968)

Mia Farrow inizia a preoccuparsi per la sua gravidanza in Rosemary's Baby

(credito immagine: Paramount Pictures)

È una fredda consolazione che non si veda mai il volto del bambino. Nel film horror psicologico di Roman Polanski, Mia Farrow interpreta una giovane moglie di Manhattan che sospetta di essere presa di mira dai suoi vicini per dare alla luce qualcosa di diabolico. Il film di Polanski – che vede anche la partecipazione di John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans e Charles Grodin, al suo debutto cinematografico – è un thriller crudele e ultra oscuro sulla perdita di potere di una donna (tristemente ironico per Polanski) e su come la marcia della società del 20° secolo verso il secolarismo possa essere la rovina dell’umanità. Rosemary’s Baby era appena in anticipo sulla curva, dato che l’isteria sui culti satanici avrebbe rapidamente occupato un posto predominante nei titoli dei giornali per tutti gli anni ’70 e ’80.

12. Lawrence d’Arabia (1962)

Peter O'Toole indossa un copricapo da deserto in Lawrence d'Arabia

(Crediti immagine: Columbia Pictures)

Può la vita di qualcuno essere così epica da diventare uno dei più grandi film d’avventura mai realizzati? L’archeologo, ufficiale dell’esercito e scrittore britannico del XX secolo T. E. Lawrence pare abbia vissuto una vita tale da diventare il film Lawrence d’Arabia di David Lean. Interpretato da Peter O’Toole, che all’epoca era un attore sconosciuto ma che piaceva a Lean (dal suo film del 1960 Il giorno in cui rapinarono la Banca d’Inghilterra), il film segue Lawrence attraverso l’Impero Ottomano durante la Prima Guerra Mondiale. Il film stesso esplora la difficoltà di Lawrence a riconciliarsi con la violenza e la sua fedeltà divisa tra la Gran Bretagna e i suoi nuovi alleati all’interno delle forze arabe. Un blockbuster spettacolare in un’epoca che non ne faceva molti, Lawrence d’Arabia galoppa con una ferocia e un senso di avventura che non si vedranno fino a I predatori dell’arca perduta, quasi 20 anni dopo.

11. Alto e basso (1963)

Un ricco dirigente ascolta al telefono e apprende che suo figlio è stato rapito in High and Low

(Credito immagine: Toho)

Akira Kurosawa è, per una buona ragione, famoso come regista di epopee di samurai eterne. Ma anche quando si allontana dai suoi stessi zig zag, il famoso artista mantiene tutti i suoi tratti migliori, come la formalità teatrale e i personaggi volitivi che si scontrano con forze oppressive. Ecco: High and Low, il dramma criminale di Kurosawa del 1963, propulsivo e finemente composto. Basato sul romanzo King’s Ransom di Ed McBain, un ricco dirigente (Toshiro Mifune) viene a sapere che suo figlio è stato rapito e tenuto in ostaggio per un riscatto, dando il via a una trama sudata e in movimento in cui il tempo è fondamentale. Scambiando l’armatura da samurai con camicie e cravatte eleganti, Kurosawa riflette sulla rinascita del Giappone nel dopoguerra. Intorno a lui, il regista vide la società giapponese evolversi rapidamente verso la modernità. Ma a quale costo?

10. Dalla Russia con amore (1963)

James Bond si siede in un treno in Dalla Russia con amore

(Credito immagine: United Artists)

Un sequel di James Bond che ha fatto perdere la testa anche al suo importantissimo predecessore Dr. No, il regista Terence Young e l’attore Sean Connery si riuniscono per Dalla Russia con amore, questa volta per raccontare la storia di Bond che aiuta una bellissima disertrice sovietica (Daniela Bianchi) a sfuggire alle grinfie della SPECTRE. Con la più grande spia dell’MI6 immersa nelle tensioni della Guerra Fredda, Dalla Russia con amore mantiene l’aria rarefatta come uno dei migliori sequel di Bond mai realizzati, essendo un blockbuster grintoso, sexy ed emozionante allo stesso tempo. Aiuta anche il fatto che il film sia sottolineato da una delle più belle canzoni di Bond di tutti i tempi, cantata dal crooner Matt Monro.

9. Pierrot le Fou (1965)

Una donna tiene delle forbici in un museo in Pierrot le Fou

(Crediti immagine: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))

Jean-Luc Godard ha trascorso gli anni ’60 affermando il suo posto nella Nouvelle Vague francese attraverso film come Breathless (1960), Vivre sa vie (1962) e Band of Outsiders (1964). Ma la massima forma di Godard arrivò nel 1965 con Pierrot le Fou, un road movie sperimentale vivido e colorato su un uomo (Jean-Paul Belmondo) che fugge con la babysitter di suo figlio e la sua ex amante (Anna Karina) per lasciarsi alle spalle il loro mondo borghese. Monumento della pop art, traboccante di sensualità, romanticismo condannato e detriti di una quarta parete demolita, Pierrot le Fou non si è limitato a certificare lo status di autore di Godard, ma lo ha placcato in oro.

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8. Colazione da Tiffany (1961)

Holly Golightly si diverte da Tiffany in Colazione da Tiffany

(credito immagine: Paramount Pictures)

Audrey Hepburn non ha solo consolidato la sua celebrità con Colazione da Tiffany del regista Blake Edwards, ma ha garantito la sua immortalità. In questa gigantesca commedia romantica, la Hepburn interpreta Holly Golightly, un’eccentrica socialite che si innamora di uno scrittore in difficoltà (George Peppard). A parte l’interpretazione razzista di Mickey Rooney di un vicino di casa giapponese, Colazione da Tiffany è effervescente e chic, un film che prende l’amore nel cuore e lo veste alla moda. Il look della Hepburn nei panni di Holly rimane onnipresente come simbolo di bellezza senza tempo, e non si può negare il perché. Basta un suo sguardo nell’obiettivo di Edwards e tutte noi siamo con la testa sui tacchi alti.

7. La Dolce Vita (1960)

Un giornalista italiano si innamora di un'attrice svedese in La Dolce Vita

(Crediti immagine: Columbia Pictures)

Il nome di Frederico Fellini è sinonimo di buon cinema italiano e La Dolce Vita è uno dei suoi successi più duraturi. Il film segue un giornalista famoso (interpretato da un Marcello Mastroianni ultra-cool, che trasuda spavalderia in ogni fotogramma) che trascorre una settimana febbrile a Roma – un’antica città invasa dallo sfarzo e dal glamour – alla ricerca di qualcosa di puro. Vantando una struttura di trama unica e un umorismo mordace, La Dolce Vita assapora la decadenza di una prospera civiltà del dopoguerra, preannunciando al contempo l’avvelenamento della società da parte delle tossicità della fama.

6. Il mucchio selvaggio (1969)

I fuorilegge fanno la loro ultima passeggiata in Il mucchio selvaggio

(Immagine di credito: Warner Bros.)

Sam Peckinpah ha dato al western il suo ultimo colpo di coda con Il Mucchio Selvaggio, un film sui fuorilegge che invecchiano e che lottano per adattarsi alla modernizzazione del 20° secolo, uscendo di scena in un tripudio di gloria. Anche se i western non si sono estinti del tutto, negli anni ’60 il genere era caduto in disgrazia e da allora non ha mai recuperato la popolarità. Questo fa sì che il bombardamento di scoppi di polvere da sparo e rimbalzi di proiettili che sottolineano il finale esplosivo di Peckinpah in Agua Verde si senta come uno spettacolo pirotecnico che commemora gli innumerevoli eroi dal cappello bianco e i furfanti dal cappello nero che hanno abbellito il grande schermo fin dall’inizio di Hollywood. Dopo Il Mucchio Selvaggio, i film western si sono incamminati verso il tramonto e non si sono più guardati indietro.

5. 8 ½ (1963)

Un regista italiano scruta attraverso i suoi occhiali in 8 1/2

(Crediti immagine: Columbia Pictures)

Il regista italiano Frederico Fellini ha notoriamente rivolto la sua telecamera verso se stesso, in un certo senso, nel suo film sulla lotta per mantenere la paternità e l’individualità in un campo soggetto al controllo pubblico. Nell’ottavo film di Fellini (da cui il titolo), l’attore Marcello Mastroianni interpreta Guido Anselmi, un regista che cerca disperatamente di mantenere la sua identità attraverso il processo rigoroso e auto-erodente di dirigere un film di fantascienza ad alto budget. Nel frattempo, Guido pensa alle varie donne della sua vita. Una meta-commedia nera surrealista che confonde le linee che delimitano la kayfabe, 8 ½ è giustamente considerato uno dei più grandi film sul cinema mai realizzati.

4. West Side Story (1961)

Tony e Maria si innamorano in West Side Story

(Immagine di credito: United Artists)

Come si risolve un problema come quello di Maria? In questo Romeo & Giulietta modernizzato, ambientato nelle bande di strada razziali di New York City, Natalie Wood e Richard Beymer interpretano degli amanti incrociati che si innamorano mentre si trovano sui lati opposti di una guerra per il territorio. La versione originale del 1961 – diretta da Robert Wise e Jerome Robbins – tratta audacemente lo schermo come un palcoscenico, con coreografie complesse, palette di colori vivaci e movimenti dinamici della macchina da presa che hanno influenzato artisti del calibro di Michael Bay (che ha elogiato il film in un’intervista al New York Times del 2001) e Steven Spielberg, che ha diretto il suo remake nel 2021. Quando guarda West Side Story, diventa un fan per tutta la vita, dalla prima sigaretta all’ultimo giorno di vita.

3. Occhi senza volto (1960)

La figlia di un chirurgo è inorridita dal suo volto mascherato in Occhi senza volto

(Immagine di credito: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)

Sebbene il fondamentale film horror Occhi senza volto di Georges Franju del 1960 sia antecedente alla maggior parte dei film slasher, la sua storia straziante e la violenza efferata hanno stabilito gli standard successivamente mantenuti da maestri del genere come John Carpenter e Wes Craven. Tuttavia, Occhi senza volto è diverso da qualsiasi altro film horror che abbia mai visto, essendo poetico quanto macabro. Il film segue un rinomato chirurgo plastico (interpretato da Pierre Brasseur) che irretisce belle giovani donne per scolpire la loro carne e riparare la tragica deturpazione di sua figlia. Anche Édith Scob interpreta la figlia del dottore, che indossa una maschera bianca spettrale che sembra un’anticipazione di future icone come Michael Myers e Jason Voorhees. Qui, il bello e il macabro sono improbabili compagni di cella.

2. 2001: Odissea nello spazio (1968)

Un astronauta muore nello spazio in 2001: Odissea nello spazio

(Crediti immagine: MGM)

Nessun film definisce gli anni ’60 ma si sente ancora fuori dal tempo come 2001: Odissea nello spazio di Stanley Kubrick. Dopo due mega-classici, Lolita (1962) e Il dottor Stranamore (1964), Kubrick guardò alle stelle con una maestosa epopea di fantascienza che adatta il racconto di Arthur C. Clarke “La sentinella”. La portata di 2001 è enorme, essendo un film che attraversa gli eoni letterali dalle origini primitive dell’umanità fino a, come Kubrick prevede, la nostra sofisticazione come specie spaziale. Ma per quanto il progresso ci porti lontano, l’uomo è ancora soggetto a una violenza inspiegabile. E così, durante il viaggio della Discovery One verso Giove, l’intelligenza artificiale HAL 9000 ha delle idee proprie sulla sopravvivenza, più di quanto i suoi padroni di carne potrebbero desiderare. Splendidamente composto e minaccioso in senso ultraterreno, 2001: Odissea nello spazio ha fatto balzare il cinema in avanti con il solo tocco di un monolite nero.

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1. Psycho (1960)

Janet Leigh urla nella doccia in Psycho

(Crediti immagine: Paramount Pictures)

Con la bellissima Janet Leigh, una bottiglia di sciroppo di cioccolato Hershey’s e un pezzo pulsante di Bernard Herrmann, Alfred Hitchcock forgiò un capolavoro cinematografico che guardava in profondità nella nostra psiche e portava alla luce ciò che ci terrorizzava tutti. Ricco di depistaggi, di ironia comica nera e di un simbolismo denso che potrebbe riempire una lezione di psicoanalisi freudiana, il film più riconoscibile di Hitchcock rimane un gigante imponente che ha ridefinito l’accettabilità del cinema commerciale per il gusto e ha innovato le convenzioni del film horror moderno. Basato sull’omonimo libro di Robert Bloch, la storia è ambientata principalmente nell’inquietante Bates Motel, supervisionato dall’eccentrico proprietario Norman Bates (Anthony Perkins) che nasconde un oscuro segreto. Sebbene Psycho abbia comprensibilmente generato un franchise che include la popolare serie televisiva Bates Motel, Psycho si erge con forza da solo come un film che ha cambiato tutto.

Frenk Rodriguez
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