I 32 migliori film degli anni ’70

Nel primo decennio totalmente libero da restrizioni di contenuto campanilistiche, ma tormentato dagli incubi della guerra del Vietnam, i film sono cambiati per sempre negli anni ’70. Ma quali sono effettivamente i migliori?

Dopo che i registi stranieri avevano dominato gli anni ’60, un nuovo movimento di “New Hollywood” era in pieno svolgimento, con i registi di casa Hollywood che esercitavano un maggiore controllo creativo sul loro lavoro rispetto al passato. Allo stesso tempo, il mondo, e in particolare l’America, si sentiva cupo, se si giudicava attraverso le notizie comunicate dalla presenza sempre più massiccia della televisione. Tra scandali politici, amministrazioni corrotte, aumento della criminalità e cinismo crescente, i film riflettevano uno stato d’animo altrettanto malinconico e/o nichilista. Persino il miracolo dello sbarco sulla Luna del 1969 non riuscì a ispirare uno stupore duraturo per le stelle, in quanto i registi trasformarono lo spazio in un luogo molto spaventoso.

Eroi sportivi sfavoriti, spiriti maligni, visitatori alieni, monaci Shaolin, vigilanti, squali assassini e molto altro ancora definiscono un decennio complicato, ancora alle prese con i peccati del Vietnam e la recrudescenza delle tensioni della Guerra Fredda. Ma quali film hanno intrattenuto il pubblico durante questi tempi inquietanti? Ecco i 32 migliori film degli anni ’70.

32. Colpo di schiaffi (1977)

I giocatori di hockey osservano da bordo campo in Slap Shot

(Immagine di credito: Universal Pictures)

Archivia questo film sotto la voce: Cosa ci fa Paul Newman qui? Scritto dalla sceneggiatrice Nancy Dowd e liberamente ispirato alla vendita della squadra di hockey minore di suo fratello nella vita reale, Slap Shot è una rivolta sboccata su una squadra di hockey di una piccola città in difficoltà, che riceve una spinta importante quando i suoi nuovi giocatori, i fratelli Hanson, scatenano spettacolari schiaffi sul ghiaccio per la gioia dei fan. Diretto da George Roy Hill, Slap Shot è antecedente alla maggior parte delle commedie sportive di culto, ma questo film le supera tutte con la sua atmosfera da cavernicolo, le sue battute degne di una risata e il premio Oscar Paul Newman – nei panni dell’allenatore dei giocatori Ruggie Dunlop – inaspettatamente a suo agio come veterano dello spogliatoio con un guardaroba invidiabile.

31. Wanda (1970)

Barbara Loden, nel ruolo di Wanda, in un'auto in un campo

(Crediti immagine: Bardene International Films)

Caposaldo del cinema indipendente, Wanda segue una donna senza prospettive che finisce in compagnia di un rapinatore di banche. Opera della scrittrice, regista e attrice protagonista Barbara Loden, Wanda è un ritratto compassionevole e tragico delle donne che cadono nelle fessure della società moderna, riecheggiando i sentimenti di mancanza di scopo della stessa Loden all’epoca. A Loden fu diagnosticato un cancro al seno qualche anno dopo e morì nel 1980, mentre Wanda fu l’unica regia di Loden. Ma anche attraverso un solo film, Loden ha influenzato generazioni di artisti indipendenti e ha stabilito in modo permanente gli standard del cinema iconoclasta.

30. Nashville (1975)

Un uomo è in piedi sul palco nel film Nashville

(Credito immagine: Paramount Pictures)

Nell’epica commedia musicale Nashville di Robert Altman, un raduno politico e un festival musicale di una settimana diventano un terrario dell’America degli anni ’70, la cui vastità politica e sociologica è condensata in un microcosmo dell’industria della musica country. Il film è famoso per la presenza di un grande cast d’insieme, tra cui David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin e troppi altri da citare. Sebbene sia stato contaminato dalla politica e dalle dinamiche sociali della metà degli anni ’70, il film di Altman rimane sempre attuale a distanza di decenni.

29. Suspiria (1977)

Jessica Harper è in piedi davanti a una finestra nel film Suspiria

(credito immagine: Produzioni Atlas Consorziate)

Gigante dell’horror giallo, il classico Suspiria di Dario Argento del 1977 è un’opera ultraterrena sui lati oscuri delle matriarche e dell’arte femminile. Jessica Harper interpreta una ballerina americana che si trasferisce in una prestigiosa accademia in Germania, solo per scoprire che la scuola è abitata da una congrega di streghe. In questa fiaba corrotta, Argento scatena tutta la potenza del vivido Technicolor con un assalto di tavolozze rosse, blu e rosa che turbinano insieme in qualcosa che assomiglia ad un rituale di evocazione. Combinato con un’atmosfera snervante evocata da una colonna sonora impressionante del gruppo rock progressivo Goblin, Suspiria è indimenticabilmente grazioso e raccapricciante.

28. American Graffiti (1973)

Due auto hot rod percorrono la strada in American Graffiti

(Immagine di credito: Universal Pictures)

George Lucas aveva solo 29 anni quando il suo classico della giovinezza, American Graffiti, aprì i battenti nelle sale cinematografiche con recensioni entusiastiche. Il futuro regista di Guerre Stellari non era ancora in crisi di mezza età quando mostrava una nostalgia malinconica per i suoi anni da adolescente nel 1962, come uno dei tanti giovani sconclusionati che salivano su hot rods truccate e andavano in giro per le loro città in cerca di avventure. Sebbene il nome di Lucas sia oggi sinonimo di blockbuster d’evasione su larga scala, il suo film più concreto, che segue un gruppo di adolescenti rock’n’roll durante una notte d’estate a Modesto, la città natale di Lucas in California, si sente ancora vivo con vigore come un pezzo d’epoca semi-autobiografico realizzato attraverso gli occhi di qualcuno non molto più vecchio dei suoi stessi personaggi.

27. Il Rocky Horror Picture Show (1975)

Il Dr. Frank N. Furter e Riff Raff in The Rocky Horror Picture Show

(Credito d’immagine: 20th Century Studios)

Diretto da Jim Sharman e basato sul musical del 1973, questo vivace omaggio alla fantascienza e ai film horror di serie B è stato per lo più ignorato al momento dell’uscita, quando è stato afflitto da recensioni negative e persino la sua prima mondiale di Halloween a New York è stata annullata. Solo un anno dopo, il film ha finalmente trovato una legione di fan e ha consolidato il suo status di titano dei film di mezzanotte. Susan Sarandon e Barry Bostwick interpretano una giovane coppia che si ritrova intrappolata nell’inquietante villa di uno scienziato pazzo (indimenticabilmente interpretato da Tim Curry). Tra la sua estetica ignobile e la musica contagiosa, The Rocky Horror Picture Show è un invito eterno a fare il Time Warp ancora, e ancora, e ancora.

26. The French Connection (1971)

Gene Hackman interpreta un detective in The French Connection

(credito immagine: 20th Century Studios)

Ampiamente considerato come uno dei più grandi film di tutti i tempi, oltre a contenere una delle più belle sequenze di inseguimento in auto della storia, il noir poliziesco di William Friedkin è basato su una storia vera e, in modo del tutto appropriato, cattura in modo autentico la sporcizia invernale della New York dei primi anni Settanta. Diviso tra New York e la più scenografica Francia, The French Connection segue due detective della polizia di New York dal carattere duro (interpretati da Gene Hackman e Roy Scheider), la cui indagine su un giro di narcotici rivela un piano internazionale su larga scala. Emblematico del decadimento morale di quel decennio, The French Connection colpisce ancora molto dopo tutti questi anni.

25. Annie Hall (1977)

Diane Keaton e Woody Allen in Annie Hall

(Crediti immagine: United Artists)

Sebbene l’ammirazione per Woody Allen si sia comprensibilmente inaridita nel corso degli anni, Annie Hall merita ancora di essere celebrato come un esame oltraggioso e profondamente riflessivo del romanticismo moderno. Con lo scrittore/regista Allen che interpreta praticamente se stesso (scioccante, lo so), il film segue un comico nevrotico che si interroga sul perché la sua relazione con la sua ultima fidanzata, Annie Hall (Diane Keaton), sia andata in pezzi. Distaccata dalla realtà e raccontata in modo non lineare, con una cerniera tra l’infanzia insolita del protagonista e i suoi altri matrimoni falliti, Annie Hall ha mantenuto a lungo il suo dominio come re delle commedie romantiche, anche se con un lieto fine che è ancora diverso dalla maggior parte delle commedie romantiche tradizionali.

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24. Halloween (1978)

Laurie Strode piange nella sua stanza con Michael Myers che la perseguita da dietro.

(Credito immagine: Trancas International Films)

Basta sentire quelle note di pianoforte ossessionanti per sapere che si trova a poca distanza da un assassino con un’inquietante maschera bianca del Capitano Kirk. Il quarto film di John Carpenter, Halloween, è fondamentale per il genere slasher e rimane uno dei migliori che possa offrire. L’attrice Jamie Lee Curtis ha trovato la fama nel ruolo di Laurie Strode, una liceale di tutti i giorni che viene violentemente perseguitata nella notte di Halloween da Michael Myers (interpretato da Nick Castle e Tony Moran), un assassino poco invincibile ed evaso da un istituto mentale. Sebbene Halloween abbia ispirato numerosi sequel che costituiscono uno dei franchise di film horror più redditizi di tutti i tempi, il film originale è un’opera d’arte individuale sui traumi taciuti che si annidano nei quartieri ovunque.

23. Kramer contro Kramer (1979)

Dustin Hoffman e Meryl Streep cenano in Kramer vs. Kramer

(Credito immagine: Columbia Pictures)

Nel dramma straziante di Robert Benton, basato su un romanzo del 1977 di Avery Corman, un divorzio amaro tra una giovane coppia – interpretata da Meryl Streep e Dustin Huffman – rivela i molti modi in cui la società carica le persone di aspettative gravose per crescere una famiglia sotto le quali le ginocchia cedono. In questa storia non ci sono cattivi (tranne alcuni avvocati idioti), ma solo la fredda e dura verità che l’amore può essere inferiore a ciò che realmente vogliamo e di cui abbiamo bisogno. Nel 1979, Kramer vs. Kramer ha risuonato con il pubblico grazie al suo ritratto autentico delle famiglie moderne; secondo i dati del CDC, i tassi di divorzio hanno raggiunto il record del 22,8% nello stesso anno.

22. Superman: Il film (1978)

Superman tiene in braccio Lois Lane e un elicottero in Superman: The Movie

(Credito d’immagine: Warner Bros.)

Con l’affascinante Christopher Reeve nei panni dell’Uomo d’Acciaio, insieme a Margot Kidder e Gene Hackman, il pubblico credeva davvero che un uomo potesse volare. Basato sull’icona della DC Comics creata da Jerry Siegel e Joe Shuster, il film seminale di Richard Donner sui supereroi (e modello per il Marvel Cinematic Universe) ha dimostrato che le storie dei fumetti possono essere raccontate con attori in carne e ossa sullo schermo. In un ambiente turbolento, tormentato dal Vietnam, dallo Scandalo Watergate e dal timore esistenziale causato dalla Guerra Fredda, Superman: The Movie ha ricordato al pubblico che anche coloro che hanno il potere possono ancora difendere la verità e la giustizia. Non dovrebbe essere questo il modo americano?

21. Enter the Dragon (1973)

Bruce Lee agita dei nunchaku in Enter the Dragon

(Credito immagine: Warner Bros. Pictures)

Bruce Lee è una star più grande da morto che da vivo, e questo è dovuto in gran parte al seducente Enter the Dragon. Anche se diretto da Robert Clouse, Enter the Dragon è ricordato soprattutto come un veicolo per il suo leggendario protagonista, che brillò con un’energia supernova nel suo unico film hollywoodiano. Capolavoro del machismo delle arti marziali, Enter the Dragon vede Lee nei panni di un monaco Shaolin reclutato dall’esercito britannico per indagare sulla fortezza isolana di un signore del crimine. La tragedia della morte di Bruce Lee, avvenuta in strane circostanze pochi mesi prima della prima del film, è che era chiaramente destinato a molto di più. Enter the Dragon offre solo un assaggio di ciò che avrebbe potuto essere.

20. La febbre del sabato sera (1977)

John Travolta si scatena sulla pista da ballo in La febbre del sabato sera

(Credito immagine: Paramount Pictures)

Niente definisce gli anni ’70 come la disco, e nessun film definisce la disco come La febbre del sabato sera di John Badham. Tra la sua colonna sonora di successo e un giovane John Travolta che ondeggia come un pavone isterico, La febbre del sabato sera è un assalto ai sensi che non lesina di sbirciare negli angoli bui della discoteca. Travolta interpreta un diciannovenne della classe operaia che durante la settimana sgobba nel suo lavoro di ferramenta per vivere come un re ogni sabato sera nella sua discoteca preferita. Mentre l’articolo della rivista a cui il film si ispirava si è rivelato una farsa, La febbre del sabato sera ha davvero reso la discoteca l’ossessione dell’America per un momento indimenticabile.

19. Incontri ravvicinati del terzo tipo (1977)

Una nave madre aliena atterra sopra una base militare in Incontri ravvicinati del terzo tipo

(Credito immagine: Sony Pictures)

Precedendo il film sismico di Steven Spielberg, E.T.: The Extra-Terrestrial, il suo epico Incontri ravvicinati del terzo tipo del 1977. Dopo un incontro casuale con un UFO, un elettricista dell’Indiana (Richard Dreyfuss) trova il modo di ottenere un posto in prima fila per il primo incontro ufficiale tra la Terra e una società aliena. Uno spettacolo abbagliante con un tono e un’atmosfera particolarmente regali rispetto alla maggior parte dei film sull’invasione aliena prima o dopo, Incontri ravvicinati del terzo tipo fu il precursore di un futuro prossimo pieno di fantascienza matura.

18. Il cacciatore di cervi (1978)

Robert De Niro siede infagottato in un bar in Il cacciatore di cervi

(Credito immagine: Universal Pictures)

All’indomani del Vietnam, la maggior parte di Hollywood esitò a confrontarsi con l’abissale fallimento delle politiche estere dell’America, che giocarono decine di vite umane come pedine. Ma Il cacciatore di cervi di Michael Cimino (con Robert De Niro, Christopher Walken e Meryl Streep nel cast) è stato uno dei primi e tuttora il più notevole film ad affrontare direttamente l’orribile erosione della morale nazionale causata dalla guerra del Vietnam. Sebbene i resoconti differiscano su come Il cacciatore di cervi si sia discostato dalla sceneggiatura originale, che era ambientata nei bassifondi di Las Vegas, il film di Cimino è un’opera potente, senza fronzoli, che racconta di amici affiatati della Pennsylvania le cui vite vengono cambiate per sempre dal loro servizio militare in Vietnam. Il suo “gioco” centrale della roulette russa è stato interpretato dal grande critico Roger Ebert come un “simbolo organizzativo” sulla violenza randomizzata che “rende superflua qualsiasi dichiarazione ideologica sulla guerra”.

17. La stangata (1973)

Robert Redford e Paul Newman in smoking in The Sting

(Credito immagine: Universal Pictures)

Pochi anni dopo aver collaborato con Robert Redford e Paul Newman in Butch Cassidy and the Sundance Kid, il regista George Roy Hill si è riunito con i due interpreti di spicco per un’altra meraviglia cinematografica, La stangata. Questo caper poliziesco nostalgico dallo stile impeccabile, ambientato durante la Grande Depressione, racconta di due truffatori che si alleano per truffare un boss della mafia. Gli schemi incredibilmente elaborati dei personaggi sono completati dai loro abiti raffinati, da una colonna sonora ragtime e da un design estetico complessivamente distinto che richiama volutamente la sensazione di sfogliare copie polverose del Saturday Evening Post. Con Redford e Newman che sparano su tutti i cilindri, è troppo facile che La stangata la prenda in giro come un babbeo.

16. Carrie (1976)

Sissy Spacek è incoronata reginetta del ballo in Carrie

(Credito immagine: United Artists)

La campagna anti-bullismo per eccellenza mai concepita deve essere Carrie, l’intramontabile classico horror di Brian De Palma. Basato sull’altrettanto formidabile romanzo d’esordio di Stephen King, Carrie parla notoriamente di un’adolescente timida e vittima di bullismo (interpretata da Sissy Spacek) che sviluppa poteri soprannaturali e li usa per vendicarsi di tutta la sua scuola. Sebbene il versamento al rallentatore di sangue di maiale del film sia stato deriso all’infinito, Carrie è ancora ossessionante nella sua rappresentazione da incubo del liceo e di come, per molti sfortunati, sia abbastanza traumatizzante da lasciare ferite profonde.

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15. Network (1976)

Howard Beale perde le sue rotelle e urla in televisione nazionale in Network

(Immagine di credito: United Artists)

Per tutti coloro che si sono sentiti arrabbiati da morire e non ce la fanno più, c’è Network. Opera fondamentale di commento sociale sull’insostenibilità del sensazionalismo senza fine dei media, il dramma cupamente comico di Sidney Lumet racconta di una rete televisiva sull’orlo del collasso, fino a quando il suo rispettato conduttore, Howard Beale (Peter Finch), minaccia di uccidersi in diretta TV. Con la sua mania che aumenta a suon di ascolti, Network esplora il richiamo del gusto contro una valanga di informazioni velenose. La rete è di gran lunga precedente all’era delle notizie via cavo e dei social media, ma anche dopo tutti questi anni, non ha mai perso il suo punto di forza.

14. Un volo sul nido del cuculo (1975)

Jack Nicholson interpreta Randle in Un volo sul nido del cuculo

(Crediti immagine: United Artists)

Jack Nicholson e Louise Fletcher sono i co-protagonisti di Un volo sul nido del cuculo di MiloŠ Forman, un dramma cupo ambientato in un istituto psichiatrico dell’Oregan, in cui un paziente (Nicholson) è alla mercé della tirannica infermiera Ratched (Fletcher) e guida una ribellione dei suoi compagni contro di lei. Basato sul romanzo di Ken Kesey del 1962, il film esiste come una celebre metafora anticonformista; sebbene Roger Ebert sottolinei, in un’entusiasmante recensione del 2003, che semplifica eccessivamente le soluzioni alle malattie mentali, non è questo il punto: “Perché non ha alcun interesse a parlare di follia”, ha scritto Ebert. “Si tratta di uno spirito libero in un sistema chiuso”.

Nota divertente: il film è stato girato sul posto, presso l’Oregon State Hospital, un ospedale psichiatrico legittimo e funzionante. In cambio del permesso ai registi di utilizzare la location e gli attori per seguire i pazienti reali per la ricerca, i pazienti dell’ospedale hanno dovuto far parte della troupe del film. In un articolo del 2017 per The Guardian, l’attore Michael Douglas, che ha prodotto il film, ha commentato: “Ci siamo ritrovati con una serie di [pazienti] che lavoravano in diversi reparti. Solo dopo mi sono reso conto che molti di loro erano criminalmente pazzi. Avevamo un piromane che lavorava nel reparto artistico”.

13. Solaris (1972)

Un uomo cammina in una nave spaziale in Solaris

(Credito immagine: Mosfilm)

Immagini di odiare così tanto un altro film da crearne uno proprio solo per attaccarlo. Questo è il modo in cui il regista russo Andrei Tarkovsky si è avvicinato al suo film di fantascienza Solaris (basato sul romanzo di Stanislaw Lem del 1961), come una confutazione di 2001: Odissea nello spazio di Stanley Kubrick. Ambientato su una stazione spaziale in orbita attorno al pianeta fittizio Solaris, uno psicologo (interpretato da Donatas Banionis) viene inviato in missione per psicanalizzare l’equipaggio, che ha riferito di aver ceduto a una crisi emotiva. A differenza del film di Kubrick, Solaris di Tarkovsky non è caratterizzato da un design immacolato, ma da un’estetica logora e malandata che parla di un’esperienza umana più genuina. Tarkovsky diede istruzioni al suo direttore artistico: “Facciamo in modo che la nostra stazione spaziale assomigli a un vecchio autobus rotto e non a una futuristica utopia spaziale”.

12. Dirty Harry (1971)

Clint Eastwood si trova in un isolato della città in Dirty Harry

(Credito immagine: Warner Bros.)

Con la dissoluzione del Codice Hays nel 1968, Clint Eastwood emerse, .357 Magnum alla mano, con Dirty Harry nel 1971. Diretto da Don Siegel, il film vede Eastwood nei panni del poliziotto corrotto di San Francisco “Dirty” Harry Callahan, probabilmente l’antieroe definitivo del cinema per la sua ostinata determinazione a sostenere la legge che, ironicamente, lo porta spesso a piegarla. Mentre Dirty Harry ha generato un franchise, il primo film è un’opera imponente in cui Hollywood si è finalmente, veramente abbandonata alla violenza sullo schermo, che era A-OK nella sua giustificazione dalla rettitudine fuorviante di Harry. L’epitome del miasma di un decennio amorale è la domanda retorica di Eastwood: “Ti senti fortunato, teppista?”.

11. Rocky (1976)

Rocky si trova in cima alle scale di Philadelphia in Rocky

(Crediti immagine: United Artists)

Dopo aver lottato per anni per sfondare come attore, Sylvester Stallone ha quasi rinunciato alla carriera di attore, finché non ha accumulato lentamente lavoro come comparsa in TV. Poi è salito sul ring con Rocky e da allora non è più stato lo stesso. Nell’emozionante dramma sportivo di John G. Avildsen, Stallone interpreta l’aspirante pugile e collezionista di debiti Rocky Balboa, che viene trascinato nell’evento principale quando il campione dei pesi massimi Apollo Creed (Carl Weathers) sceglie Rocky per combattere in un’esibizione professionale. Un emozionante dramma sportivo che ha ispirato innumerevoli film simili, Rocky è ancora oggi uno dei migliori film sportivi di tutti i tempi. Ha prevedibilmente generato un franchising, con Rocky III che ha regalato al mondo “Eye of the Tiger”.

10. Arancia Meccanica (1971)

Alex e i suoi amici della banda bevono del latte in Arancia Meccanica

(Immagine di credito: Warner Bros.)

Il surreale dramma distopico di Stanley Kubrick, adattamento del romanzo di Anthony Burgess del 1962, è semplicemente uno dei film più inquietanti di tutti i tempi. Centrato sulla furia di un leader di una banda di adolescenti inquietantemente carismatico (interpretato da Malcolm McDowell), il film di Kubrick, denso di tematiche, ritrae gli estremi della delinquenza giovanile, l’indebolimento della coesione sociale e l’impotenza dell’autorità. La sua orribile violenza sullo schermo ha un senso, ma per molto tempo purtroppo ci sono state persone che non hanno capito il senso e il film ha ispirato controversi crimini di imitazione nella vita reale. Nonostante sia stato ritirato dalle sale su insistenza di Kubrick, Arancia Meccanica sopravvive come un capolavoro che incanala le sue molte idee attraverso gli stretti sentieri di un labirinto.

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9. Chinatown (1974)

Un detective e il suo cliente parlano in Chinatown

(Immagine di credito: Paramount Pictures)

Si può definire Chinatown di Roman Polanski dalla sua battuta finale: “Lascia perdere, Jake. È Chinatown”. La sua premessa è ingannevolmente semplice: ambientata nel 1937, una donna (Faye Dunaway) assume un investigatore privato, Jake Gittes (Jack Nicholson), per seguire il marito sospettato di infedeltà. Quello che accade in realtà è uno scavo a più livelli nelle profondità oscure di cui l’uomo è inquietantemente capace, con il film che utilizza le convenzioni del film noir e del giallo per funzionare davvero come un dramma psicologico. Chinatown non è solo un luogo del film, ma una metafora del caos, del male e della futilità, dove la cosa migliore e più morale che si possa fare è non fare nulla.

8. Apocalypse Now (1979)

Martin Sheen si nasconde nella palude in una scena iconica di Apocalypse Now

(Credito immagine: United Artists)

Francis Ford Coppola ha quasi perso la testa per realizzare Apocalypse Now. Stressato da numerosi problemi sul set, tra cui un budget gonfiato, un programma di riprese che si estendeva ben oltre i cinque mesi previsti, tempeste distruttive nelle Filippine e un infarto di Charlie Sheen, Coppola stesso ammise nel 1991: “A poco a poco, siamo impazziti”.”È difficile dire, senza essere Coppola, se ne è valsa la pena, ma a distanza di decenni dalla sua uscita nel 1979, Apocalypse Now è ampiamente considerato un mega-classico e una pietra preziosa del canone della Nuova Hollywood. Un tuffo fantasmagorico nella guerra del Vietnam, il film riguarda un capitano militare (Sheen) che viene incaricato segretamente di assassinare un colonnello disonesto (Marlon Brando) che viene venerato dai suoi uomini e dalla gente del posto come un semidio. Brillante e audace, Apocalypse Now è probabilmente il film definitivo sulla guerra del Vietnam, ma risuona a chiunque sia stato all’inferno e ritorno.

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7. L’esorcista (1973)

Max von Sydow è in piedi per strada in un'immagine iconica de L'esorcista

(Immagine di credito: Warner Bros.)

È un film che ha spaventato così tanto il pubblico che il passaparola si è diffuso a macchia d’olio, rendendolo forse il primo successo virale. Diretto da William Friedkin, questo adattamento del romanzo di William Peter Blatty (che scrisse anche la sceneggiatura) racconta di un sacerdote (Jason Miller), in crisi di fede, che viene incaricato dalla Chiesa di indagare sulla possessione demoniaca di una giovane ragazza (Linda Blair). Un blockbuster che ha cambiato le carte in tavola, L’esorcista non solo ha reso il genere horror più mainstream, ma lo ha reso rispettabile, dimostrando che è in grado di fare molto di più che trucchi e mostri. In questo caso, di essere un film spaventoso su ciò che significa affrontare i mali del dubbio su se stessi. Alcune curiosità per lei: il film era stato comicamente programmato per un’uscita il giorno dopo Natale, il 26 dicembre. Sebbene Friedkin volesse una data diversa, la storica del cinema Sarah Crowther teorizza che la data sia stata scelta di proposito per alimentare una piccola controversia.

6. Tutti gli uomini del Presidente (1976)

Robert Redford parla al telefono in Tutti gli uomini del Presidente

(Credito immagine: Warner Bros.)

Il 17 giugno 1972, presso la sede del Comitato Nazionale Democratico a Washington D.C., accadde qualcosa. Quel qualcosa fu lo Scandalo Watergate, che divenne un libro dei giornalisti del Washington Post Carl Bernstein e Bob Woodward. Quattro anni dopo, l’inchiesta di Bernstein e Woodward divenne uno dei film più importanti del decennio: Tutti gli uomini del Presidente, diretto da Alan J. Pakula. Un film che difende l’ingenuità e i principi virtuosi sotto un governo spietatamente corrotto, Tutti gli uomini del Presidente è avvincente proprio per il suo sguardo poco glamour sulla persistenza ostinata del giornalismo gumshoe. È una professione piena di porte chiuse, telefonate ignorate e conversazioni anonime e criptiche. Tuttavia, il film di Pakula non smette mai di essere così appassionante, mentre due uomini cercano la verità quando nessun altro è in grado di fare il lavoro.

5. Alien (1979)

Ellen Ripley guarda fuori dalla finestra in Alien

(Credito immagine: 20th Century Studios)

Il monumentale film horror fantascientifico di Ridley Scott non solo ha creato un franchise duraturo e ha reso star Sigourney Weaver e John Hurt, ma ha plasmato il linguaggio e l’estetica di tutti gli ibridi di genere futuri. Ambientato in un lontano futuro in cui i viaggi spaziali sono comuni, l’equipaggio di sette uomini del rimorchiatore commerciale Nostromo viene prematuramente svegliato dalla stasi da una chiamata di soccorso. Quando il gruppo di avventurieri torna dalle indagini su una nave aliena abbandonata, porta con sé inconsapevolmente una creatura aliena, che cresce rapidamente fino a diventare una minaccia che sputa acido e minaccia tutti loro. Con la sua iconica tagline “Nello spazio, nessuno può sentirti urlare”, Alien ha dato un volto nuovo e terrificante a due generi storici in un colpo solo.

4. Taxi Driver (1976)

Robert De Niro parla alla telecamera in una scena iconica di Taxi Driver

(Immagine di credito: Columbia Pictures)

Inteso dal regista Martin Scorsese come un sogno, Taxi Driver è più simile a un’allucinazione indotta dalla febbre, in quanto thriller psicologico sulla missione di un uomo squilibrato di ripulire da solo una New York corrotta. Con Robert De Niro nei panni di Travis Bickle, un veterano della guerra del Vietnam traumatizzato e tassista notturno, Taxi Driver è come sbirciare nel cervello di un uomo insicuro che compensa eccessivamente le proprie mancanze con un’estrema mascolinità e manie di grandezza. Decenni dopo la sua uscita nel 1976, il controverso film di Scorsese – che ha ispirato almeno un tentativo di omicidio presidenziale – è ancora di allarmante attualità.

3. Il Padrino (1972)

Don Vito Corleone nel suo ufficio il giorno del matrimonio di sua figlia ne Il Padrino

(Crediti immagine: Paramount Pictures)

Francis Ford Coppola avrebbe potuto fermarsi a Il Padrino, e sarebbe ancora un artista cinematografico venerato. Basato sul bestseller del 1969 di Mario Puzo su una dinastia mafiosa italiana immaginaria, il film immortale di Coppola ha come protagonisti Al Pacino e Marlon Brando (oltre a James Cann, Robert Duvall e Diane Keaton) nei panni dei capi della famiglia criminale Corleone. Ambientata tra il 1945 e il 1955, la vasta epopea di Coppola vede Michael Corleone (Pacino) crescere da figlio minore riluttante a pensare agli affari di famiglia fino a succedere al ruolo del padre. Un vero e proprio classico americano, Il Padrino è davvero uno dei più grandi film di tutti i tempi per il suo studio drammatico delle dinamiche familiari e per la sua capacità di catturare i mondi atmosferici della mafia italiana nell’America del dopoguerra.

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2. Guerre stellari (1977)

Luke e Han Solo vengono incoronati alla fine di Star Wars

(Crediti immagine: 20th Century Studios)

Ha generato uno dei franchise mediatici più redditizi e riconosciuti al mondo. Ma anche se non l’ha mai fatto, il film Guerre Stellari di George Lucas del 1977 (da allora ribattezzato Star Wars: Episodio IV – Una Nuova Speranza) è un risultato artistico di pura immaginazione. Nato dall’incapacità dello stesso Lucas di realizzare un film di Flash Gordon, Guerre Stellari è, prima di ogni altra cosa, una classica storia di bene contro male, in cui gli sfortunati sottoproletari armati di ideali progressisti possono ancora ottenere una vittoria su forze superiori. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness e la voce imponente di James Earl Jones popolano l’ultima avventura di evasione da una galassia molto, molto lontana.

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1. Lo Squalo (1975)

Jaws, lo squalo, terrorizza una barca nel capolavoro di Steven Spielberg

(Crediti immagine: Universal Pictures)

Solo perché è estate, non significa che non debba temere l’oscurità dell’abisso sotto di lei. In Jaws, il film horror di Steven Spielberg, un’incantevole cittadina balneare viene terrorizzata da un grande squalo bianco particolarmente affamato, che accumula un numero di vittime come un serial killer calcolato. Uno dei primi veri blockbuster hollywoodiani, Spielberg superò abilmente i problemi tecnici con lo squalo per favorire un’atmosfera di terrore perpetuo e imprevedibile; davvero non c’è niente di più spaventoso quando non si sa dove si trovi il mostro in qualsiasi momento. Sebbene ci siano molti altri film degli anni ’70 che meritano un riconoscimento simile a quello dei migliori di tutti i tempi, solo uno di essi è abbastanza degno da richiedere una barca più grande.

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Frenk Rodriguez
Salve, mi chiamo Frenk Rodriguez. Sono uno scrittore esperto con una forte capacità di comunicare in modo chiaro ed efficace attraverso i miei scritti. Ho una profonda conoscenza dell'industria del gioco e sono sempre aggiornato sulle ultime tendenze e tecnologie. Sono attento ai dettagli e in grado di analizzare e valutare accuratamente i giochi, e affronto il mio lavoro con obiettività e correttezza. Inoltre, apporto una prospettiva creativa e innovativa alla mia scrittura e alle mie analisi, che contribuisce a rendere le mie guide e recensioni coinvolgenti e interessanti per i lettori. Nel complesso, queste qualità mi hanno permesso di diventare una fonte affidabile di informazioni e approfondimenti nel settore dei giochi.