Nella lunga storia del cinema, forse nessun decennio è così importante o determinante come gli anni ’80. Ma in un’epoca in cui i film indimenticabili sono stati aperti, il cinema è stato un’occasione per fare un passo avanti. Ma in un’epoca in cui film indimenticabili si aprivano nelle sale praticamente ogni fine settimana, quali di essi meritano effettivamente di essere riconosciuti come i più grandi di tutti?
Durante la presidenza di due mandati di Ronald Reagan, gli anni ’80 sono diventati un’epoca caratterizzata dal consumismo dilagante, dal materialismo e dalla globalizzazione attraverso una tecnologia in rapida evoluzione. Anche i film dell’epoca assunsero molte sfaccettature diverse. Mentre gli adulti continuavano a godere di immagini adulte su argomenti rilevanti per loro, dalle sfumature degli appuntamenti a 30 e 40 anni al trauma generazionale causato dalla guerra del Vietnam, il pubblico più giovane iniziò a vedere film più eccitanti che si rivolgevano ai loro gusti. A volte, i fili si incrociavano e i film apparentemente realizzati per gli adulti trovavano un pubblico enorme nei bambini e negli adolescenti.
Gli anni ’80 sono stati un’epoca in cui i budget di produzione sono aumentati, le star sono diventate più famose, la violenza è diventata mainstream e praticamente da un giorno all’altro il pubblico di ogni età ha potuto godere degli stessi film. Il termine “Blockbuster”, coniato nel 1954, è diventato una frase comune quando le uscite evento hanno battuto i record di incassi.
In un decennio pieno di grandi film, solo alcuni possono essere riconosciuti come i migliori film mai realizzati. Ecco i 32 migliori film degli anni ’80.
32. Platoon (1986)
(Immagine di credito: Orion Pictures)
Pochi registi incarnano gli anni ’80 come Oliver Stone. Non solo ha partecipato alla sceneggiatura di classici come Conan il barbaro e Scarface, ma ha anche diretto Wall Street del 1987 – un film emblematico dell’insaziabile avidità del decennio – e una trilogia di film non collegati tra loro che esploravano il trauma persistente del Vietnam. Il primo di questi è Platoon, del 1986, un dramma di grande impatto su un volontario dell’Esercito degli Stati Uniti (interpretato da Charlie Sheen) che trascorre il suo tempo con la 25esima Divisione di Fanteria vicino al confine cambogiano, lottando con l’etica della stessa guerra in cui sono impegnati. Il film è stato ispirato dal servizio prestato da Stone in Vietnam, e questo si nota nell’attenzione ai dettagli e nel ritratto senza fronzoli delle ferite psicologiche durature della guerra.
31. Moonstruck (1987)
(Credito immagine: MGM)
Diretti da Norman Jewison e scritti da John Patrick Shanley, Cher e Nicolas Cage sono i co-protagonisti di questa commedia romantica deliziosamente folle, che racconta di una vedova italo-americana che si innamora dell’irascibile fratello minore del suo fidanzato. Mentre Cher era già una star quando Moonstruck è arrivato, il film ha lanciato Nicolas Cage nella stratosfera. Tra le sue braccia scolpite, il suo volto sparuto e la sua presenza caotica e di basso profilo, Cage ha mostrato al mondo che poteva brillare come la Luna stessa. Tutto quello che ha fatto da allora, dal furto della Dichiarazione di Indipendenza allo scambio di facce con John Travolta, è stato perché ci ha fatto innamorare in Moonstruck.
30. Predator (1987)
(credito immagine: 20th Century Studios)
Dopo essere esploso nell’epopea fantasy del 1982 Conan il barbaro, Arnold Schwarzenegger ha mostrato i suoi muscoli da eroe d’azione in Predator, un thriller fantascientifico e un’epopea di guerra tutto in uno. Diretto da John McTiernan e con un indimenticabile motivo musicale di Alan Silvestri, Predator segue una squadra di salvataggio militare d’élite che si avventura nella giungla sudamericana per salvare un ostaggio diplomatico, per poi ritrovarsi braccata da una minaccia ultraterrena. Col senno di poi, è difficile dire chi sia la star più grande, Schwarzenegger o l’ormai iconico alieno “Predator”. In ogni caso, Predator è indiscutibilmente uno dei film d’azione più divertenti di tutti i tempi.
29. Bloodsport (1988)
(Credito immagine: Warner Bros.)
L’ascesa e la morte prematura di Bruce Lee hanno influenzato una generazione a dedicarsi alle arti marziali, tra cui la star belga dell’azione Jean Claude Van Damme. In Bloodsport di Van Newt Arnold, Van Damme interpreta un Capitano dell’Esercito degli Stati Uniti e maestro di ninjutsu che partecipa ad un mortale torneo clandestino di arti marziali a Hong Kong. Anche se le affermazioni che il film è basato su una storia vera sono al massimo alte, questo non impedisce a Bloodsport di essere un classico delle arti marziali e probabilmente il migliore dell’era post-Bruce Lee. (Sì, anche più di Kickboxer, un film straordinariamente simile uscito un anno dopo). Tra le vibrazioni impeccabili della colonna sonora di Paul Hertzog e la faccia di Van Damme quando viene accecato dalla sabbia, Bloodsport ci ispira tutti a cantare “Kumite!”.
28. Say Anything (1989)
(credito immagine: 20th Century Studios)
La quintessenza della commedia sentimentale adolescenziale sugli appuntamenti fuori dalla propria portata, John Cusack e Ione Skye sono i co-protagonisti del debutto alla regia di Cameron Crowe, Say Anything, che racconta di un fannullone che intraprende una storia d’amore con il valedictorian della classe dopo il diploma. Sotto l’attenta regia di Crowe, Say Anything è un’istantanea divertente e calorosa del prezioso passaggio tra il liceo e il college. L’indimenticabile scena in cui Lloyd tiene in mano il suo stereo portatile (che suona “In Your Eyes” di Peter Gabriel) fuori dalla camera da letto di Diane è come la versione del 20° secolo di Romeo che chiama Giulietta sotto il traliccio; è allo stesso tempo genuina e sdolcinata, e ci ricorda che l’amore può farci fare cose folli.
27. Excalibur (1981)
(Crediti immagine: Warner Bros.)
Probabilmente il racconto medievale definitivo di tutti i tempi, la leggenda di Re Artù e dei Cavalieri della Tavola Rotonda, ha ricevuto l’adattamento cinematografico definitivo nel 1981 in Excalibur di John Boorman. Interpretato da Nigel Terry nel ruolo di Artù e da Helen Mirren nel ruolo di Morgana, oltre a talenti notevoli come Liam Neeson e Patrick Stewart all’inizio della loro carriera, Excalibur si svolge essenzialmente come un biopic che inizia con l’empio concepimento di Artù fino alla sua ascesa a re e alla sua morte in battaglia. Più interessante per la sua affascinante atmosfera gotica che per la sua abile regia, Excalibur è comunque degno di essere considerato un classico che ha influenzato una generazione di artisti, narratori e creatori di videogiochi.
26. The Breakfast Club (1985)
(credito immagine: Universal Pictures)
Se c’è un regista la cui voce ha incapsulato le ansie dei giovani adulti degli anni ’80, è il compianto John Hughes, responsabile di classici YA come Sixteen Candles, Pretty in Pink, Weird Science e, naturalmente, Ferris Bueller’s Day Off. Anche se Ferris Bueller è una pietra miliare del cinema, il dramma corale di Hughes del 1985 The Breakfast Club potrebbe essere più importante con la sua premessa fondamentale di personalità contrastanti che si legano nel corso di un indimenticabile sabato di detenzione. Se questa premessa le suona familiare, è perché The Breakfast Club l’ha iniziata e probabilmente l’ha fatta meglio.
25. Batman (1989)
(Crediti immagine: Warner Bros.)
Prefigurando l’ascesa dei supereroi come genere cinematografico preminente del 21° secolo, Batman di Tim Burton è un connubio perfetto tra la singolare visione registica – con le sfumature gotiche di Burton ispirate all’espressionismo tedesco – e l’appeal commerciale mainstream.
Interpretato da Michael Keaton, Kim Basinger e Jack Nicholson, il film segue, chi altro, Batman nella sua lotta contro la nuova minaccia di Gotham City, il Joker. Indicativo degli anni ’80, fino al fatto che Prince ha realizzato l’album, Batman ha preannunciato l’imminente trasformazione dei film in macchine per il merchandising. Batman è stato un film con un’oscurità abbastanza sorprendente da attirare il pubblico più anziano, ma non ha respinto alcuna possibilità di generare giocattoli Happy Meal.
24. Da qualche parte nel tempo (1980)
(Crediti immagine: Universal Pictures)
Dal regista francese Jeannot Szwarc, questa storia d’amore degna di essere vissuta ha come protagonista Christopher Reeve nei panni di un drammaturgo di Chicago che trova il modo di viaggiare indietro nel tempo fino al 1912, dove si innamora di un’attrice di teatro (Jane Seymour). Prima di altre storie d’amore sui viaggi nel tempo come La moglie del viaggiatore, La casa sul lago e Kate & Leopold, c’è stato Somewhere in Time. Con la sua toccante colonna sonora di John Barry e le protagoniste di spicco Reeve e Seymour, Somewhere in Time ha scritto il libro di testo su cosa significhi sentirsi così lontani dalla propria anima gemella. Sebbene sia stato stroncato dalla critica al momento dell’uscita, Somewhere in Time mantiene un seguito di fan devoti che si riuniscono per guardare il film ogni ottobre nell’ambientazione principale del film, il Grand Hotel nel Michigan.
23. Ghostbusters (1984)
(Credito immagine: Sony Pictures)
Chi chiamerai? Con tutti i suoi effetti speciali magici e le battaglie epiche contro un male antico, Ghostbusters è una commedia che parla di fare affari con i propri amici. Ideato dallo scrittore e star Dan Aykroyd (la cui famiglia nella vita reale è famosa come esperta di paranormale), Ghostbusters è diventato una pietra di paragone generazionale grazie alle interpretazioni da 10 e lode di Bill Murray, Harold Ramis, Aykroyd stesso – tutti nei panni di scienziati espulsi dal mondo accademico – ed Ernie Hudson nel ruolo dell’uomo dalla faccia tosta che si unisce a loro. Insieme a Sigourney Weaver e Rick Moranis, Ghostbusters è un altro importante film degli anni ’80 che è stato realizzato per gli adulti, essendo una commedia incentrata su New York, sugli appuntamenti, il lavoro e il mantenimento degli affari a galla, ma ha conquistato legioni di bambini con i suoi divertenti fantasmi, i mostri giganti di marshmallow e i laser colorati.
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22. Gloria (1989)
(Crediti immagine: Tri-Star Pictures)
La commovente epopea storica Glory di Edward Zwick è un’esplorazione esemplare del razzismo e del patriottismo nella sua storia del 54° Reggimento di Fanteria del Massachusetts, uno dei primi reggimenti afroamericani dell’Esercito dell’Unione nella Guerra Civile Americana. Interpretato in modo memorabile da Matthew Broderick, Denzel Washington, Cary Elwes e Morgan Freeman, Glory è un film completamente realizzato che intrattiene e istruisce grazie alla sua splendida fotografia e alla storia straziante del sacrificio non ripagato. Dalla sua uscita nel 1989, Glory rimane uno dei migliori film mai realizzati su una delle guerre più sanguinose della storia americana.
21. A Nightmare on Elm Street (1984)
(Credito immagine: New Line Cinema)
Mentre il genere slasher ha trovato nuova vita negli anni ’70, Wes Craven ha portato avanti la palla per tutti gli anni ’80, in particolare con il suo indimenticabile film A Nightmare on Elm Street. Il primo di un franchise che cementò New Line come uno studio potente, il film di Wes Craven segue l’adolescente di periferia Nancy (Heather Langenkamp) che è perseguitata da sogni ultra-reali di Freddy Krueger (Robert Englund), un killer predatore con un guanto artigliato. Il film è stato notevolmente ispirato da storie reali che Craven ha sentito sui rifugiati cambogiani che sono morti nel sonno. Con un vivant Robert Englund nel ruolo di Freddy, A Nightmare on Elm Street è un efficace film horror soprannaturale, oltre che una commedia nera, il che significa che è sempre buono per un urlo.
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20. Stand By Me (1986)
(Crediti immagine: Columbia Pictures)
Basato sulla novella di Stephen King (a sua volta intitolata come la duratura canzone di Ben E. King sul sentimentalismo), Stand By Me di Rob Reiner segue un gruppo di ragazzi dell’Oregon che fanno un’escursione e si imbattono in un cadavere. Con il suo memorabile cast composto da Wil Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman e Jerry O’Connell, il film di Reiner è una metafora straziante e senza tempo della fine dell’innocenza, quando i bambini crescono e si trovano improvvisamente di fronte a un male indicibile. La sua abbondante solarità tradisce l’oscurità che il mondo nasconde, e nessun film esplora questa dissonanza in modo più elegante di Stand By Me.
19. Quando Harry incontra Sally… (1989)
(Immagine di credito: Columbia Pictures)
Diretto da Rob Reiner e scritto dall’effervescente Nora Ephron, Quando Harry ti presento Sally è la commedia romantica per eccellenza che tutti noi abbiamo vissuto almeno una volta. Billy Crystal e Meg Ryan sono i co-protagonisti di persone polarmente opposte che, col tempo, si riscoprono l’un l’altro e lentamente scoprono un forte sentimento, ma si ritrovano ad avere paura della sua permanenza. Una delle commedie più amate in autunno, questa commedia intramontabile è ancora attuale, dato che gli appuntamenti moderni diventano sempre più e forse inutilmente complicati. Curiosità: l’iconica scena di Katz’s Delicatessen è stata improvvisata tra Crystal, Ryan e la Ephron, per risolvere il problema della scarsa attenzione al personaggio di Crystal nel film. Che tutti noi possiamo avere quello che ha lei.
18. Rocky III (1982)
(Credito immagine: MGM)
Certo, Rocky IV riceve tutta l’attenzione, con la sua storia dell’eterno sfavorito Rocky (Sylvester Stallone) in un incontro degno di nota contro il drago russo Ivan Drago (Dolph Lundgren). Ma Rocky III del 1982 è un film più completo, che non solo rappresenta una possibile conclusione della storia di Rocky, ma anche un film toccante sulla sportività, la fratellanza e la riconciliazione. Con Rocky Balboa che cavalca il suo successo fino alla luna, il pugile di Philadelphia si ritrova sfidato dal formidabile Clubber Lang (Mr. T), che costringe Rocky a fare squadra con il suo vecchio rivale Apollo (Carl Weathers) per diventare il pugile definitivo che è destinato ad essere. È il film che ha introdotto “Eye of the Tiger” nelle nostre playlist di allenamento, e il suo climax è ancora stimolante senza mai sfiorare il cartoon.
17. Velluto Blu (1986)
(credito immagine: De Laurentiis Entertainment Group)
Prima di WandaVision, David Lynch ha rivelato l’oscurità sotto la periferia curata nel suo thriller neo-noir Velluto Blu. Kyle MacLachlan interpreta uno studente universitario che torna a casa nella Carolina del Nord dove trova un orecchio umano mozzato, che dà il via a una strana indagine su una cospirazione criminale che coinvolge una cantante lounge bella ma tormentata (Isabella Rossellini). Chiamato come l’interpretazione di Bobby Vinton della canzone “Blue Velvet” e ispirato a un incidente traumatico di Lynch durante l’infanzia, in cui fu testimone di una donna nuda che camminava di notte nel suo quartiere, Blue Velvet è un thriller incantevole e mistificante che sconcerta tutti coloro che guardano in profondità nelle sue caverne.
16. I predatori dell’arca perduta (1981)
(Credito immagine: 20th Century Studios)
L’omaggio di Steven Spielberg alle avventure seriali pulp ha stabilito il gold standard dei blockbuster per gli anni a venire. Interpretato da Harrison Ford e dall’effervescente Karen Allen (nel ruolo di Marion Ravenwood), I Predatori dell’Arca Perduta racconta di un avventuroso archeologo e professore universitario, il Dr. Indiana Jones, che scambia pugni con i nazisti per l’Arca dell’Alleanza, da tempo perduta. Un blockbuster indiscusso, caratterizzato da una regia squisita e da un vero senso dell’avventura, I predatori dell’arca perduta ha generato una delle più grandi serie cinematografiche degli anni ’80. Ma nulla supera l’originale.
15. Donne sull’orlo di una crisi di nervi (1988)
(Immagine di credito: Orion Pictures)
Dall’autore Pedro Almodovar, Donne sull’orlo di una crisi di nervi è un classico della commedia nera che racconta di una donna di nome Pepa (interpretata da Carmen Maura) che viene bruscamente abbandonata dal suo amante. Nella sua ricerca del motivo per cui si trova improvvisamente da sola, scopre una cavalcata di personaggi che sono tutti più legati di quanto potessero aspettarsi. Interpretato anche da Antonio Banderas e Rossy de Palma, Donne sull’orlo di una crisi di nervi è una commedia vibrante e irriverente sulla perdita totale di sé, che senza dubbio trascende tutte le barriere linguistiche.
14. Strade di fuoco (1984)
(Credito d’immagine: Universal Pictures)
Presentato come una “favola rock and roll” e all’altezza dello spirito di questa idea, Streets of Fire è un film trionfale che illumina le strade bagnate dalla pioggia della sua città immaginaria di Richmond. Dal regista Walter Hill e interpretato da Michael Pare, Diane Lane e Willem Dafoe, Streets of Fire trascina il pubblico nel suo sogno immaginario di rockabilly degli anni Cinquanta e grime degli anni Ottanta. Con le strade invase da assassini malvagi, hot rod rombanti e una colonna sonora originale che fa venire voglia di guardare avanti e non voltarsi mai indietro, Streets of Fire è un invito a non andare da nessuna parte velocemente.
13. Akira (1988)
(Credito immagine: Toho)
Pietra miliare della fantascienza distopica, Akira di Katsuhiro Otomo adatta l’omonimo manga di Otomo su una banda di giovani motociclisti che si intrufolano in un pericoloso progetto governativo top-secret. Ambientato in un allora futuristico 2019 e all’indomani di una nuova guerra mondiale che ha lasciato Tokyo in rovina, le luci scintillanti di Neo-Tokyo sono sottolineate dalle strisce di luce lasciate dai suoi giovani spericolati che corrono all’impazzata su motociclette rubate. Akira è una visione duratura di Otomo, che ha incanalato la violenza dilagante causata dall’epidemia giapponese di bande bosozoku, ma ha trovato un pubblico universale nel suo ritratto provocatorio di giovani disillusi e violenti.
12. Shining (1980)
(Credito immagine: Warner Bros.)
Un classico dell’horror sugli effetti agghiaccianti dell’isolamento e dell’incapacità di mantenere la sanità mentale, il capolavoro horror di Stanley Kubrick, Shining, svetta su tanti altri film che si sforzano e non riescono a raggiungere le stesse altezze. Jack Nicholson e Shelley Duvall sono i protagonisti di questo adattamento dell’omonimo romanzo di Stephen King (che, tra l’altro, King odia davvero questo film), che racconta di una famiglia che accetta un lavoro di manutenzione in un resort del Colorado durante la bassa stagione, per poi soccombere a una presenza soprannaturale maligna. Ancora oggi, nessuno sa cosa sia l’uomo con il costume da orso.
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11. Amadeus (1984)
(Credito immagine: Orion Pictures)
Sebbene il dramma personale al centro dell’epopea biografica di Milos Forman, Amadeus, sia selvaggiamente romanzato, ciò non gli impedisce di essere un’avvincente storia di gelosia artistica e meschinità nel mondo della musica classica. Interpretato da F. Murray Abraham e Tom Hulce, Amadeus segue Wolfgang Amadeus Mozart (Hulce) e la sua intensa rivalità con il compositore italiano Antonio Salieri (Abraham). Nella vita reale, i due erano abbastanza civili, forse persino amichevoli. Ma il film di Forman è semplicemente troppo delizioso per quanto riguarda i sentimenti più comuni, come l’insicurezza e l’inadeguatezza, che possono tradire anche gli ambienti più decorosi.
10. Ritorno al futuro (1985)
(credito immagine: Universal Pictures)
L’avventura di viaggio nel tempo per eccellenza, Robert Zemeckis ha cementato il suo status di autore di blockbuster in questa odissea fantascientifica in cui il presente incontra il passato. Michael J. Fox interpreta l’adolescente con lo skateboard Marty McFly, che torna indietro nel tempo a bordo di una DeLorean truccata e deve fare in modo che i suoi genitori si incontrino e si innamorino (senza far innamorare accidentalmente sua madre). Ritorno al Futuro è semplicemente un’iconografia iconica e oggi è celebrato come una corsa nostalgica ineludibile.
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9. Die Hard (1988)
(Crediti immagine: 20th Century Studios)
Il film d’azione per eccellenza e il preferito perennemente a Natale, Bruce Willis interpreta John McClane, un duro poliziotto di New York che si ritrova bloccato in un grattacielo di Los Angeles durante un attacco terroristico. Sebbene le affermazioni dei cugini sul fatto che Die Hard sia un grande film di Natale siano un po’ stucchevoli, non si può negare che l’obiettivo finale di McClane – ricongiungersi con la moglie e dirle che gli dispiace – sia all’altezza dello spirito natalizio come momento di famiglia, perdono e nuovi inizi.
8. Kagemusha (1980)
(Credito immagine: Toho)
L’inarrestabile classico di Akira Kurosawa del 1980, Kagemusha – che significa “guerriero ombra” – segue un umile criminale la cui sorprendente somiglianza fisica con un signore samurai morente lo spinge sotto i riflettori della politica, dove è costretto ad agire per impedire un’invasione da parte di clan rivali. Come uno dei rari film a colori di Kurosawa, Kagemusha vede il leggendario regista sfruttare appieno gli strumenti a sua disposizione in un’immagine mozzafiato che si divide tra illusione e realtà.
7. Notizie trasmesse (1987)
(Credito immagine: 20th Century Studios)
Albert Brooks, Holly Hunter e William Hurt sono i protagonisti di questa deliziosa commedia romantica ambientata nel vivace mondo dei notiziari televisivi. Con l’imminente erosione dell’intelligenza a favore del sensazionalismo nel giornalismo, tre persone navigano nel paesaggio in evoluzione e allo stesso tempo nei loro sentimenti reciproci. Sebbene sia stato pubblicato molto prima che Internet e i social media fossero comuni nella nostra vita quotidiana, il suo monito premonitore contro lo smantellamento del giornalismo significativo non eclissa mai del tutto la storia d’amore frizzante e succosa che lo anima.
6. Scarface (1983)
(Immagine di credito: Universal Pictures)
Tony Montana ci ha detto “Il mondo è tuo” e noi gli abbiamo creduto. In questa storia sui pericoli di inseguire il sogno americano, il decorato Al Pacino interpreta Tony Montana, un immigrato cubano che accumula potere, influenza e fortuna grazie al traffico di cocaina nella soleggiata Miami. Diretto da Brian de Palma e composto dal leggendario Giorgio Moroder, Scarface è un classico monumentale che non solo ha influenzato il modo in cui pensiamo di vivere alla grande, ma ci mette in guardia dal volare troppo vicino al sole.
5. Dirty Dancing (1987)
(Credito d’immagine: Lionsgate)
In Dirty Dancing, del regista Emile Ardolino, Patrick Swayze e Jennifer Grey sono i co-protagonisti dell’ultima storia d’amore incrociata dopo Romeo & Giulietta, che racconta la storia di una sana ragazza di 17 anni proveniente da una famiglia benestante, Baby (Grey), che si ritrova tra le braccia di un istruttore di ballo della classe operaia, Johnny (Swayze). Ambientato nell’estate del 1963 nelle scenografiche Catskills, Dirty Dancing ci ha mostrato come possiamo trovare l’amore nei luoghi più improbabili, un passo alla volta. Tutti noi ci siamo divertiti un mondo.
4. Cinema Paradiso (1988)
(Immagine di credito: Titanus)
In questo ampio dramma adolescenziale scritto e diretto da Giuseppe Tornatore, un ragazzo di una piccola città siciliana stringe amicizia con un anziano proiezionista del cinema della sua città, il Cinema Paradiso. Raccontata in gran parte in flashback, questa celebrazione profondamente sentimentale sui poteri salvifici del cinema rivela come questa cosa che tutti amiamo chiamata “film” plasmi fondamentalmente il nostro essere. I film non amano nulla di più dei film sui film, e Cinema Paradiso è uno dei tanti che ne rappresentano il trionfo.
3. Blade Runner (1982)
(Immagine di credito: Warner Bros.)
La fantascienza è esplosa negli anni ’80, ma pochi si sentono pienamente realizzati come l’influente Blade Runner di Ridley Scott, in cui Harrison Ford interpreta un cacciatore di taglie di “replicanti” androidi, ma si interroga sulla sua stessa natura. Sebbene il film abbia avuto scarso successo e la versione teatrale uscita nel 1982 non rifletta la visione completa di Scott – ciò sarebbe avvenuto solo anni dopo, nel 2007 – Blade Runner ha comunque plasmato l’aspetto e l’atmosfera della fantascienza per generazioni. Dai suoi tetri e lugubri agglomerati urbani, affollati di persone inquiete, tutti illuminati da un neon odioso, Blade Runner mostra minacciosamente come avrebbe potuto essere il nostro futuro nel 2017 – e come potrebbe ancora essere, se non stiamo attenti.
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2. L’Impero colpisce ancora (1980)
(Immagine: 20th Century Studios)
Gli anni ’80 hanno dimostrato che i sequel non devono essere necessariamente dei derivati di seconda scelta dell’originale, e nessun sequel lo ha dimostrato meglio di quello di Star Wars, L’Impero colpisce ancora, del regista Irvin Kershner. Seguendo gli eventi dell’originale, ora intitolato Una nuova speranza, L’Impero colpisce ancora vede Luke Skywalker (Mark Hamill) separato dalla Ribellione, mentre si allena con l’elusivo Yoda nelle vie dei Jedi. Più grande e in qualche modo migliore di Guerre Stellari sotto ogni punto di vista, L’Impero colpisce ancora ha gettato le basi per ciò che tutti i sequel dovrebbero fare, essendo un’espansione – e non una pallida imitazione – di ciò che ha reso il film precedente così memorabile.
1. Top Gun (1986)
(Immagine di credito: Paramount Pictures)
Inutile dire che gli anni ’80 sono pieni di classici. Registi come Steven Spielberg, James Cameron, Martin Scorsese e John Carpenter hanno tutti diretto film molto influenti che hanno definito il decennio. Ma nessun film riassume da solo l’epoca e prefigura il futuro come Top Gun. Il blockbuster estivo di Tony Scott, uscito nel maggio 1986, ha consolidato tutto ciò che ci aspettiamo oggi nelle grandi uscite, quando l’aria è calda e cerchiamo riparo nel fresco e buio abbraccio del cinema. Nella sua storia di un pilota della Marina degli Stati Uniti, il film di Scott – interpretato da Tom Cruise, Val Kilmer e Kelly McGillis – rappresenta tutto ciò che amiamo del cinema e il suo potere illusorio di farci sentire come se fossimo entrati nella zona di pericolo.