Dopo che il delirio del nuovo millennio si è esaurito, il pubblico è entrato negli anni 2000 sfidato da, beh, tutto. Sono successe così tante cose che è facile dimenticare alcuni film. Ma quali sono in realtà i più grandi film sottovalutati e per lo più dimenticati degli anni 2000?
Quando l’isteria dell’anno 2000 si è placata, gli anni 2000 hanno visto una serie di sfide esistenziali che hanno tormentato il pubblico dei film. Dal terrorismo alla bancarotta, fino alla rapida ascesa di Internet e dei social media, gli anni 2000 hanno visto i successi di Hollywood diventare sempre più grandi, mentre il cinema indipendente attirava il pubblico con storie più piccole e intime. Anche il già citato Internet ha avuto un ruolo enorme nel cambiare i film per sempre; lo streaming di Netflix è iniziato nel 2007, dando il via a un cambiamento insondabile dell’arte e del business dei film che pochi avrebbero potuto prevedere.
Con tante cose che sono successe negli anni 2000, è fin troppo facile dimenticare certi film, anche se li ha già visti. Ecco i 32 film più belli degli anni 2000 di cui (probabilmente) si è dimenticato.
32. Il treno della carne di mezzanotte (2008)
(credito immagine: Lionsgate)
Prima che Bradley Cooper diventasse un habitué degli Oscar, ha guidato il film horror poco visto Il treno di mezzanotte del regista giapponese Ryuhei Kitamura. Basato su un racconto di Clive Barker, Cooper interpreta un fotografo che sviluppa un’ossessione per un serial killer (interpretato da Vinnie Jones) che prende di mira le vittime nelle metropolitane. Uscito in un periodo in cui i film “torture porn” simili a Saw erano di gran moda, Il treno della carne di mezzanotte è passato senza troppa attenzione, anche se rimane uno dei preferiti anche all’ombra della superstar di Cooper. Il vero potere del film risiede nel suo messaggio principale, nel fatto che le cose che ci spaventano sono anche quelle che ci intrigano e ci avvicinano.
31. La ragazza della porta accanto (2004)
(Credito immagine: 20th Century Studios)
Una commedia romantica e sgangherata come nessun’altra, La ragazza della porta accanto vede protagonista Emilie Hirsch nei panni di un ambizioso liceale che scopre che la sua vicina di casa, una giovane donna bella e vivace (interpretata da Elisha Cuthbert), è una star di film per adulti. Esilarante e sorprendentemente commovente, la sua strana premessa non ha entusiasmato la critica contemporanea, che ha dato al film recensioni mediocri. Dalla sua uscita, tuttavia, La ragazza della porta accanto ha sviluppato un feroce culto di fan che vedono qualcosa di dolce sotto la sua superficie scarmigliata. Aiuta il fatto che il film sia interpretato anche da attori del calibro di Timothy Olyphant e Paul Dano, che sono diventati sempre più famosi nel tempo.
30. Kill Zone (2005)
(Credito immagine: ABBA Movies Co. Ltd.)
La superstar di Donnie Yen grazie alla serie Ip Man ha portato retroattivamente l’attenzione sui suoi lavori precedenti, in particolare sui suoi veicoli d’azione degli anni 2000. A svettare su tutti è SPL: Sha Po Lang (distribuito negli Stati Uniti con il titolo più sgargiante Kill Zone), un film a stelle e strisce diretto da Wilson Yip. Yen interpreta un poliziotto di Hong Kong che viene trasferito in un distretto che sta per arrestare un importante boss della triade. Con la partecipazione anche di Sammo Hung, Simon Yam e Wu Jing, Kill Zone è un’epopea gangsteristica ricca di star, con coreografie abbaglianti che fanno la differenza tra un realismo spietato e un caos esagerato. Sebbene sia stato un successo in Asia, Kill Zone non ha ancora ricevuto molta attenzione nel resto del mondo.
29. I selvaggi (2007)
(credito immagine: Fox Searchlight Pictures)
In questa deliziosa commedia nera di Tamara Jenkins, Philip Seymour Hoffman e Laura Linney sono i co-protagonisti di fratelli litigiosi, la cui mancanza di un padre durante la crescita non ha dato loro alcuna istruzione su come essere una famiglia. Ma quando il loro padre assente (Philip Bosco) inizia a mostrare segni di demenza, i fratelli imparano finalmente a volersi bene prima che sia troppo tardi. Nonostante la sua premessa dura e pesante, The Savages non manca mai di suscitare qualche risata. Perché non dovrebbe? Ammettiamolo, ci sono poche cose sulla Terra che sono divertenti come la famiglia. Nonostante abbia ricevuto alcune nomination agli Oscar, The Savages è stato ampiamente trascurato.
28. Festa della birra (2006)
(credito immagine: Warner Bros. Pictures)
Gli anni 2000 sono stati un’epoca d’oro per le commedie con rating R, e una delle dinastie di quell’epoca era la troupe comica Broken Lizard. Mentre la loro commedia del 2002 Super Troopers rimane infinitamente citabile, la loro satira sportiva del 2006 Beerfest merita altrettanto, se non di più, amore. Ambientato in un mondo sotterraneo di bevitori di birra competitivi, Beerfest segue un gruppo di americani disordinati che si allenano per un anno per giocare contro una squadra tedesca d’élite che ha infangato l’onore della loro famiglia. Probabilmente il film più stretto di Broken Lizard e forse il suo film più crudo, Beerfest vanta una parata di improbabili attori non protagonisti e camei – tra cui Cloris Leachman, Donald Sutherland, Will Forte e Willie Nelson – che elevano un film ridicolmente stupido in una grande festa. In alto i calici.
27. Il pianeta del tesoro (2002)
(Immagine di credito: Disney)
Dal Rinascimento Disney, il famoso studio a volte può sembrare invincibile. Ma non tutto ciò che ha realizzato è stato un successo. Nel 2002, lo studio ha distribuito Il pianeta del tesoro, un’avventura fantascientifica e un ibrido unico di animazione 2D e 3D. Sebbene il film non fosse il primo a reimmaginare il romanzo di Robert Louis Stevenson del 1883 L’isola del tesoro con elementi di fantascienza – e non era nemmeno la prima volta che la Disney utilizzava il materiale di partenza – il film era comunque destinato a lanciare un nuovo franchise Disney singolare, sulla scia di altri suoi mega successi animati. Sebbene abbia fatto fiasco al botteghino, il film ha conquistato nel tempo il pubblico grazie alla sua spettacolare immaginazione e al senso di avventura senza tempo.
26. Sunshine (2007)
(Credito immagine: Fox Searchlight Pictures)
Sunshine è un film che pullula di grandi talenti, ma è diventato per lo più un’entità dimenticata nell’immaginario collettivo. Uscito nel 2007 e diretto da Danny Boyle, Sunshine è un thriller fantascientifico apocalittico ambientato nell’anno 2057, in cui un gruppo di astronauti viaggia per riaccendere il sole morente del sistema solare. Guidato da Cillian Murphy di Oppneheimer, il film è interpretato anche da Chris Evans, Rose Byrne, Michelle Yeoh, Cliff Curtis, Hiroyuki Sanada, Benedict Wong e Mark Strong. L’intenzione di Boyle era quella di creare un cast internazionale, e ha persino fatto vivere i suoi attori insieme, imparando a conoscere le professioni uniche dei loro personaggi per immergersi. Sebbene Sunshine sia stato un disastro al botteghino, il film attira abitualmente l’attenzione di persone sorprese dalla sua premessa urgente e dalla ridicola collezione di talenti familiari.
25. Il calamaro e la balena (2005)
(Credito immagine: Samuel Goldwyn Films)
Fortemente ispirato all’adolescenza dello scrittore/regista Noah Baumbach, che ha vissuto il divorzio dei suoi genitori, Il calamaro e la balena ha come protagonisti Jeff Daniels e Laura Linney, nei panni dei genitori litigiosi di Walt Berkman (Jesse Eisenberg), tutti residenti nella Brooklyn degli anni ’80. Girato in Super 16 piuttosto che nel più trendy video digitale – un marchio di fabbrica dei film indie degli anni ’80 – The Squid and the Whale ha un aspetto e un’atmosfera straordinariamente simili a quelli di un film che i suoi stessi protagonisti avrebbero visto al cinema, per salvare irrimediabilmente le loro relazioni in decadenza. Sebbene molte persone coinvolte ne Il calamaro e la balena, tra cui Baumbach, abbiano ottenuto un ulteriore successo di critica e di Hollywood, Il calamaro e la balena si sente sottovalutato nonostante le sue valide qualità.
24. Harold & Kumar vanno al Castello Bianco (2004)
(credito immagine: New Line Cinema)
È facile liquidare Harold &; Kumar va al castello bianco come un’altra stupida commedia classificata R con un umorismo grossolanamente offensivo. Perché è così. Ma è stata anche tranquillamente rivoluzionaria per il 2004: i suoi protagonisti non erano un’altra coppia di bianchi antipatici e sbruffoni, ma asiatici antipatici e sbruffoni. John Cho e Kal Penn sono i co-protagonisti nei panni di migliori amici e coinquilini la cui voglia di fast food va a rotoli. Sebbene il film non cerchi nemmeno di darsi delle arie per sentirsi importante – c’è letteralmente una scena in cui Harold e Kumar cavalcano un ghepardo – ha la sua parte di inaspettata pregnanza, nel modo in cui esplora la crescente angoscia dei millennial e le gravose aspettative dei genitori immigrati. Anche se il suo umorismo shock non gli ha permesso di invecchiare con grazia, Harold & Kumar Go to White Castle può ancora colpire nel segno.
23. One Hour Photo (2002)
(Credito immagine: Fox Searchlight Pictures)
Un thriller scomodo e cupo, in cui Robin Williams recita contro il tipo di antagonista tormentato, One Hour Photo di Mark Romanek è un thriller serrato che resiste ancora dopo tanti anni. Racconta la storia di Sy Parrish, un tecnico fotografico solitario che nutre un’ossessione segreta nei confronti di una famiglia di cui ha sviluppato le foto per anni. One Hour Photo è stato un successo, con la critica che ha sottolineato l’interpretazione accattivante di Williams. Ma quando si parla della totalità dell’eredità cinematografica di Williams, non è il film che qualcuno ricorda a memoria. Dopo la morte di Robin Williams nel 2014, le sue commedie commoventi hanno attirato la maggior parte dell’attenzione – non quella in cui interpreta lo stalker squilibrato di una famiglia innocente. Ma il tempo è stato molto gentile con One Hour Photo, in quanto i social media hanno reso tutti noi un po’ ossessionati dalla vita degli altri, in modi che dovremmo ammettere essere malsani.
22. È complicato (2009)
(credito immagine: Universal Pictures)
Le commedie romantiche hanno prosperato negli anni 2000, in gran parte grazie alla regista Nancy Meyers. Nel 2009, l’esilarante commedia romantica della Meyers “È complicato” ha sfidato allegramente le convenzioni del genere, con una storia bollente incentrata su adulti cinquantenni. Meryl Streep è la protagonista del film nel ruolo di Jane, che riaccende una relazione segreta con il suo ex marito (Alec Baldwin) e si innamora di un architetto (interpretato da Steve Martin). It’s Complicated è stato un successo commerciale e ha ottenuto diverse nomination degne di nota ai Golden Globe, ma col tempo è caduto nel dimenticatoio della nostra coscienza culturale, mentre le stesse commedie romantiche sparivano lentamente dai cinema. Dopo tutto questo tempo, It’s Complicated è tutt’altro che difficile da capire, essendo uno spuntino accogliente e caotico di un film con interpretazioni ad alta energia oscenamente grandiose.
21. L’uomo che non c’era (2001)
(Crediti immagine: Focus Features)
È difficile dire con franchezza che un film dei Fratelli Coen è “dimenticato”. Ma quando il loro corpus di opere comprende film del calibro di Fargo, Il grande Lebowski, Non è un paese per vecchi e Inside Llewyn Davis, allora sì, forse alcuni film vengono trascurati. Ecco: L’uomo che non c’era, un grande thriller del 2001 che rende omaggio ai film noir in bianco e nero del 1940. Billy Bob Thorton interpreta un barbiere californiano che tenta di ricattare l’amante della moglie – che è anche il suo capo – per ottenere il denaro di un investimento. La critica ha acclamato il film, ma non è riuscito ad attirare l’attenzione di un pubblico i cui occhi erano puntati sugli altri due grandi successi del 2001: Harry Potter e la Pietra Stregata e Il Signore degli Anelli: La Compagnia degli Anelli. Entrambi hanno aperto a distanza di un mese l’uno dall’altro e hanno eclissato L’uomo che non c’era, uscito nel novembre 2001.
20. 25a Ora (2002)
(Crediti immagine: Buena Vista Distribution Pictures)
All’indomani dell’11 settembre, il regista newyorkese Spike Lee si è cimentato nel ritrarre la crisi esistenziale di un’intera città con 25th Hour. Basato su un romanzo di David Benioff (sì, lo stesso David Benioff che ha co-creato Game of Thrones per la HBO), 25th Hour ha come protagonista Edward Norton nel ruolo di un uomo che vaga per New York City, la sua casa, per le sue ultime 24 ore di libertà prima di scontare la pena in prigione. Sebbene il libro di Benioff sia stato scritto e pubblicato prima dell’11 settembre, Spike Lee ha incorporato gli attacchi nel suo film come parte del suo interrogatorio della città e dell’idea più ampia di trovarsi a un proverbiale bivio. Come Città Aperta di Roberto Rossellini che catturava Roma dopo l’occupazione nazista, la 25esima ora di Spike Lee documenta una città ancora in fase di recupero. Dovremmo essere felici che l’abbia fatto.
19. 12 round (2009)
(Credito immagine: 20th Century Studios)
Prima che la carriera di attore di John Cena decollasse davvero, il suo status di superstar del wrestling professionistico è stato sfruttato per recitare in alcuni film d’azione di medio livello finanziati dall’entità cinematografica della WWE, i WWE Studios. Mentre il suo primo film, The Marine, è interamente un progetto di vanità per rilanciare artificialmente il suo profilo di celebrità, il suo secondo film, 12 Rounds, è molto più avvincente. Diretto dall’autore d’azione Renny Harlin, Cena interpreta un agente dell’FBI che è costretto a giocare un gioco pericoloso da un carismatico trafficante d’armi, interpretato da Aidan Gillen di Game of Thrones. Sebbene all’apparenza sia un’imitazione di Die Hard with a Vengeance, John Cena dimostra le prime promesse come attore e star al di là del ring. Non si può avere il John Cena di Blockers e Peacemaker senza vederlo all’opera in 12 Rounds.
18. Saved! (2004)
(Crediti immagine: MGM)
La commedia adolescenziale e sgangherata incontra la satira religiosa nel perfido ed esilarante Saved! di Brian Dannelly.. Jena Malone è la protagonista del film nel ruolo dell’adolescente cristiana Mary Cummings, che tenta di “curare” il suo ragazzo gay facendo sesso prematrimoniale, per poi rimanere incinta. Interpretato anche da Mandy Moore, Macaulay Culkin e Mary-Louise Parker, Saved è un sacro tumulto che mette a nudo le ipocrisie della religione organizzata all’interno dei confini dei film per adolescenti alla John Hughes e American Pie. Probabilmente la parte migliore del film è Mandy Moore; conosciuta principalmente come pop star all’epoca della sua uscita, l’interpretazione bruciante della Moore nei panni di una prepotente e moralista è una specie di rivelazione.
17. Il blog che canta di Dr. Horrible (2008)
(Credito immagine: Mutant Enemy Productions)
Durante lo sciopero della Writers Guild of America del 2007-2008, il creatore di Buffy l’Ammazzavampiri, Joss Whedon, ha co-creato un musical a micro-budget che non solo ha trovato un modo per fare reddito in un momento difficile per Hollywood, ma ha anche creato qualcosa che sembrava all’avanguardia e rilevante per l’era della blogosfera. Insieme a Zack Whedon, Maurissa Tancharoen e Jed Whedon, hanno creato Dr. Horrible’s Sing-Along Blog, un musical cinematografico indipendente realizzato in modo professionale che è stato, sentite questa, rilasciato su Internet per lo streaming gratuito. Si trattava di un affare insondabilmente grande nel 2008. Il fatto che Dr. Horrible’s Sing-Along Blog fosse anche esilarante e devastante nei modi giusti è la ciliegina sulla torta. All’apice della sua fama in How I Met Your Mother, Neil Patrick Harris interpreta un aspirante supercattivo la cui iniziazione alla Lega del Male gli impone di commettere un crimine efferato. Interpretato anche da Felicia Day e Nathan Fillion, Dr. Horrible’s Sing-Along Blog è un avvertimento divertente e dolorosamente bello sul fatto che le cose che desidera di più possono costarle ciò che non vuole perdere.
16. Happy-Go-Lucky (2008)
(Credito immagine: Momentum Pictures)
Nonostante abbia fatto di Sally Hawkins una star, Happy-Go-Lucky – diretto dal prolifico regista britannico Mike Leigh – è passato sotto silenzio dopo la sua uscita nel 2008. Forse è stato il tempismo. Nella sua storia di un’insegnante di scuola spensierata (Hawkins) che si scontra con il mondo sbiadito che la circonda, Happy-Go-Lucky esalta le virtù di mantenere un atteggiamento positivo. La positività era piuttosto difficile da mantenere alla fine degli anni 2000, e da allora è diventata ancora più difficile. Ma Hawkins irradia abbastanza energia da far pensare che essere felici sia una scelta che si può fare, invece di essere il risultato finale di qualcos’altro.
15. Scatenato (2005)
(credito immagine: Universal Pictures)
In quella che è forse una delle migliori interpretazioni di Jet Li come attore drammatico (non si preoccupi, continua a spaccare), Unleashed di Louis Letterier vede la star del kung fu nei panni di Danny, un uomo rabbioso ‘allevato’ da uno spietato gangster (interpretato da Bob Hoskins) per essere la sua guardia del corpo personale. Danny finisce presto sotto le cure di un accordatore di piano cieco (Morgan Freeman) e della sua figliastra (Kerry Condon), che danno a Danny l’ambiente nutriente che gli è stato negato per tutta la vita. Uscito in diretta concorrenza con Star Wars: La vendetta dei Sith, Unleashed è passato in gran parte inosservato e da allora è diventato un gioiello trascurato. Ma Unleashed racchiude tanto cuore quanto colpi duri.
14. Lars e la ragazza reale (2007)
(Crediti immagine: MGM)
Ispirata dall’inciampo nel sito web ufficiale di RealDoll, la scrittrice/regista Nancy Oliver ha creato una riffa commovente e simpatica sulla tragedia greca Pigmalione con il suo dramma del 2007 Lars and the Real Girl. Ryan Gosling interpreta il ruolo di Lars, gentile ma socialmente impacciato, la cui storia d’amore con una bambola gonfiabile di nome Bianca preoccupa tutti coloro che lo circondano. Sebbene Gosling abbia fatto carriera interpretando l’archetipo dell’uomo dei sogni di Hollywood – è stato il Ken di Barbie, dopotutto – Lars and the Real Girl mette in mostra gli attributi camaleontici di Gosling, offrendo una performance che fa sinceramente sentire il senso di impotenza (ma non di disperazione) del suo personaggio.
13. Io, me stesso, & Irene (2000)
(Credito immagine: 20th Century Studios)
Sebbene la sua premessa che satireggia il disturbo dissociativo dell’identità sia offensiva già sulla carta, Jim Carrey opera ad un livello di potenza così alto nella commedia nera Me, Myself & Irene dei fratelli Farrelly che è facile ridere con lui. (Davvero, guardi la sua “trasformazione”. La sfido a non rimanere stupito da ciò che Carrey può fare con il suo viso). Carrey interpreta Charlie, un mite poliziotto statale del Rhode Island, la cui rabbia repressa per anni lo porta a sviluppare un alter ego più sicuro e violento. Sebbene la maggior parte della comicità del film sia incentrata su quanto possa essere comicamente scomodo uno sdoppiamento di personalità, Me, Myself & Irene contiene anche un sacco di umorismo shock che la tiene sulle spine. Non è che non si possa più fare una commedia volgare come Me, Myself & Irene. È che nessuno riesce a farlo così bene.
12. Sunshine Cleaning (2008)
(Credito d’immagine: Relativity Media)
Nella deliziosa commedia indie Sunshine Cleaning di Christine Jeffs, Amy Adams ed Emily Blunt sono le co-protagoniste di due sorelle che si mettono in affari come pulitori di scene del crimine efferate. Sebbene abbia ottenuto recensioni positive da parte della critica e sia stato un modesto successo al botteghino, le stelle smisurate di Adams e Blunt hanno reso Sunshine Cleaning una sorta di ripensamento nella loro carriera. La Adams ha i suoi Oscar e la Blunt ha partecipato a tutto, dai musical Disney alle epopee di Christopher Nolan. Ciononostante, Sunshine Cleaning riesce ad essere un brillante film indie della metà degli anni ’80, con un insondabile potere delle star.
11. Titan A.E. (2000)
(Immagine di credito: 20th Century Studios)
Il prolifico regista d’animazione Don Bluth ha distribuito il suo ultimo film nelle sale cinematografiche nel 2000, un’epopea d’avventura fantascientifica intitolata Titan A.E. Ambientato in un futuro lontano in cui la Terra è stata distrutta e l’umanità è una specie nomade sparsa tra le stelle, Cale (doppiato da Matt Damon) scopre un segreto per aiutare a dare all’umanità una nuova casa. Titan A.E. ha fatto fiasco al botteghino, in gran parte a causa dell’elevato budget di produzione e dei licenziamenti presso i Fox Animation Studios che hanno ostacolato gli sforzi di marketing. Negli anni successivi alla sua uscita, Titan A.E. è diventato un classico di culto, anche se è il film che ha più o meno messo fine alla carriera di Bluth come regista di film mainstream.
10. Buona fortuna domani (2002)
(Credito immagine: Paramount Pictures)
I veri fan sfegatati del franchise Fast & Furious sanno di dover includere Better Luck Tomorrow. Diretto da Justin Lin e finanziato da carte di credito esaurite e da un contributo dell’ultimo minuto di MC Hammer, Better Luck Tomorrow segue un gruppo di adolescenti asiatici americani che sfruttano le loro coperture come studenti modello per iniziare una vita di crimini. Sebbene il film sia interpretato principalmente da Parry Shen, Jason Tobin e John Cho, c’è anche Sung Kang nella sua prima apparizione come Han, prima di riprendere il ruolo nella Saga Fast. Liberamente ispirato all’omicidio dell’adolescente californiano Stuart Tay, Better Luck Tomorrow è stato un film di riferimento per la rappresentazione degli asiatici americani, che ha sfidato direttamente i miti diffusi della “minoranza modello”.
9. Stranger Than Fiction (2006)
(Credito immagine: Sony Pictures Releasing)
E se la sua vita non fosse la sua, ma il lavoro di qualcun altro? Questa è l’idea alla base di Stranger Than Fiction di Marc Forster, che vede protagonista Will Ferrell nel ruolo di un agente del fisco che inizia a sentire una voce disincarnata che racconta la sua vita come un romanzo letterario. Quando scopre che dovrebbe morire, come previsto dalla narrazione, fa tutto il possibile per evitare che accada. Ferrell brilla in questa esilarante lotta metafisica con il destino, armando il suo rinomato talento di attore comico per muoversi senza sforzo in spazi più drammatici. Sebbene Stranger Than Fiction sia generalmente citato come uno dei film più seri di Ferrell, è comunque facile dimenticarlo quando i suoi amici citano ancora a gran voce Talladega Nights e Step Brothers.
8. Igby va giù (2002)
(credito immagine: MGM)
Molto prima di diventare un attore pluripremiato, Kieran Culkin ha recitato nella commedia drammatica Igby Goes Down di Burr Steers. Culkin interpreta un adolescente sardonico (all’epoca Culkin aveva 20 anni) che fa gli straordinari per liberarsi dalla madre prepotente e dalla famiglia benestante. Descritto al meglio come un Catcher in the Rye del 21° secolo, il film è un’esibizione del talento di Culkin per i personaggi sardonici e un ritratto ben scritto dell’adolescenza moderna. Aiuta il fatto che Culkin sia circondato da alcune star importanti, come Jeff Goldblum, Claire Danes, Amanda Peet, Bill Pullman, Jared Harris e Susan Sarandon, che elevano il materiale.
7. Vanilla Sky (2001)
(credito immagine: Paramount Pictures)
Nel remake in lingua inglese di Cameron Crowe di Apri gli occhi di Alejandro Amenabar, un ricco editore di riviste (interpretato da Tom Cruise) inizia a mettere in discussione la propria realtà dopo che un’amante risentita li spinge volontariamente in un incidente fisicamente devastante. In parte sci-fi esistenziale, in parte dramma romantico e in parte thriller psicologico, la forma onirica e il finale ambiguo di Vanilla Sky lo rendono uno dei film più eterei della filmografia di Cruise. Anche se molti altri film si confrontano con idee simili – film come Matrix, The Truman Show, Stranger Than Fiction e Synecdoche, New York – Vanilla Sky si distingue per la sua esecuzione del surrealismo lucido.
6. Drag Me to Hell (2009)
(Credito immagine: Universal Pictures)
Dopo che Sam Raimi ha terminato la sua trilogia di Spider-Man, Raimi è tornato alle sue radici con Drag Me to Hell, un horror soprannaturale demoniaco in cui un’ambiziosa e vendicativa funzionaria di banca (Allison Lohman) viene maledetta da una donna per sopportare tre giorni di tormento prima di essere trascinata all’Inferno per l’eternità. A volte spaventosamente terrificante e altre volte incredibilmente divertente, Drag Me to Hell è semplicemente Sam Raimi che spara sui suoi cilindri personalizzati. Negli anni successivi, successi come Insidious, The Conjuring e The Babadook avrebbero ridefinito il genere, ma Drag Me to Hell è un gioiello discreto che ha davvero incarnato l’aspetto dei film horror in studio alla fine degli anni 2000. Anche oggi, il suo finale è ancora così spaventoso nella sua natura aggressiva.
5. Repo! L’opera genetica (2008)
(Credito immagine: Lionsgate)
Se alla fine degli anni 2000 era un liceale di teatro, è probabile che abbia visto e forse anche amato Repo! L’Opera Genetica. Ispirato all’esperienza personale dello scrittore Dan Smith con la bancarotta e il pignoramento, questo musical goth rock immagina un futuro cupo in cui le aziende sanitarie private fanno banca vendendo organi alle persone con un piano di pagamento; se non si riesce a mantenere i pagamenti, gli organi vengono “pignorati”. Con Alexa Vega e Paul Sorvino – oltre a Paris Hilton in un ruolo minore – Repo! L’Opera Genetica sembra e si sente come se qualcuno avesse fatto un mix di grindcore, film di Takashi Miike e The Rocky Horror Picture Show in un frullatore. È comunque un film che vale la pena guardare, anche se non è più un diciassettenne che canta le canzoni dello spettacolo dopo le prove.
4. DOA: Dead or Alive (2006)
(Crediti immagine: Dimension Films)
Per molto tempo, il film Mortal Kombat del 1995 è stato considerato l’unico buon film sui videogiochi, fino a quando non sono arrivati blockbuster più decenti come Sonic the Hedgehog e The Super Mario Bros. Movie. Ma gli appassionati sanno che nel 2006, il regista Corey Yuen ha diretto il film sfacciatamente salace DOA: Dead or Alive, una versione cinematografica della famigerata serie di giochi di combattimento. Con Sarah Carter, Devon Aoki, Holly Valance e Jamie Pressley come protagoniste, il gioco riprende apertamente Enter the Dragon – la sua premessa è un torneo di arti marziali che si tiene in un’isola esotica – ma offre alcuni colpi di scena propri che fanno sì che gli occhi siano incollati allo schermo. DOA: Dead or Alive è spudorato con le sue splendide ragazze, ma è anche abbastanza elegante come un film d’azione di serie B da risultare coinvolgente, e non come un inutile schiacciamento di tasti.
3. Torque (2004)
(Credito immagine: Warner Bros. Pictures)
Dopo aver diretto video musicali per titani del pop come Britney Spears e i Backstreet Boys, Joseph Kahn ha fatto il suo debutto nel cinema con Torque, un film d’azione a rotta di collo che sembra più un videogioco di corse. Con un cast che comprende Adam Scott, Martin Henderson, Jamie Pressly, Jay Hernandez e Christina Milian, Torque segue un motociclista che si dà alla fuga dopo essere stato incastrato per omicidio. A prima vista, Torque potrebbe sembrare un’imitazione di The Fast & the Furious – c’è perfino una battuta che sbatte il naso in faccia a Dominic Toretto – ma la singolare maestria di Kahn fa in modo che Torque sia un’esperienza a tutto gas, completamente creata da lui stesso. Un vero bombardamento massimalista dei sensi che una certa “famiglia” non potrebbe mai sognare di tenere il passo.
2. A Scanner Darkly (2006)
(Credito d’immagine: Warner Independent Pictures)
Il Rotoscoping non è una nuova tecnica di animazione. È stata creata da Max Fleischer nel 1915 e utilizzata con grande efficacia da artisti del calibro di Disney nel corso del XX secolo. Ma nel 2006, Richard Linklater ha trovato un modo per utilizzare l’estetica del rotoscopio come finestra sul futuro in A Scanner Darkly, il suo adattamento del romanzo di Philip K. Dick. In un futuro prossimo degli Stati Uniti, un agente sotto copertura lotta per separare la realtà dalle allucinazioni indotte dalle sostanze. Nonostante la grande potenza di star come Keanu Reeves, Robert Downey Junior, Woody Harrelson e Winona Ryder, A Scanner Darkly non è riuscito a entusiasmare il botteghino. Da allora, il film è diventato un cult, in quanto il suo look insolito è ancora oggi così eccitante e fresco, così come la sua scomoda ambientazione di Stati Uniti sempre più indifesi e infettati da una polizia fascista.
1. Road to Perdition (2002)
(Credito d’immagine: DreamWorks Pictures)
Nel 2002, Tom Hanks osò sfidare la sua immagine di protagonista integerrimo in Road to Perdition di Sam Mendes. Rivisitazione della serie manga Lone Wolf & Cub, Hanks interpreta un sicario della mafia irlandese nell’Illinois dell’epoca della Depressione, che fugge con suo figlio (Tyler Hoechlin) dopo che il resto della famiglia viene massacrato. La maggior parte della tensione del film risiede nel personaggio di Hanks, Michael Sullivan, che si rifiuta di lasciare che suo figlio cresca come lui, ma lo addestra comunque nel suo mestiere, mentre sfuggono ai gangster rivali e a un particolare assassino a sangue freddo (Jude Law). Se Road to Perdition doveva rimodellare il marchio di Hanks come attore, non è riuscito; da allora l’attore ha interpretato altri uomini buoni, tra cui persone reali che hanno salvato delle vite. Ma Road to Perdition è comunque un’immagine bella e ampia che parla di quanto siamo disposti a fare per proteggere i nostri figli, anche se questo significa costringerli a crescere prima che siano pronti.